Er ist tatsächlich gekommen, der Rockstar mit seinem Erstlingsfilm. Lou Reed ist trotz Aschewolke und Flugverboten nach Nyon gefahren, im Zug aus London, um heute Abend seinen ersten (und nach seiner Aussage auch letzten) Dokumentarfilm vorzustellen: Red Shirley, ein 28 Minuten langes Porträt seiner mittlerweile 101 Jahre alten Cousine. Es müsste nicht sein letzter sein, Red Shirley ist nicht nur ein berührendes Portrait einer alten Jüdin, die mit 19 Jahren ganz alleine aus Polen nach Kanada emigriert ist, und von dort nach nur sechs Monaten weiter nach New York, sondern auch ein (von Ralph Gibson) ansprechend gefilmtes, sehr dicht geschnittenes und vertontes (da kommt Lou Reeds eigene Expertise ins Spiel) rundes Werk. Die in einzelnen Momentaufnahmen aus ihren Erzählungen evozierte Sicht auf das Leben einer als oppositionelle Gewerkschafterin, also als “rote”, gegen die korrupte Union kämpfende, unerschrockene Frau, die unter anderem auch am Million Man March gegen die Segregation nach Washington dabei war, fügt sich zu einem ansprechenden kurzen Film, der keineswegs abfällt unter den übrigen in Nyon gezeigten Werken.

Ein wenig abgefallen ist dagegen die Solopräsentation des Stars mit seinem Film. Wahrscheinlich hätte Lou Reed einen besseren Auftritt gehabt, wäre er wie alle anderen Filmemacher vor seinem Film kurz vorgestellt und danach ins Gespräch genommen worden. Aber das war natürlich nicht mehr möglich, nachdem sein Kommen zu den Verkaufsschlagzeilen des Festivals geworden war. Vor der Filmvorführung sah man einen erschreckend unsicher gehenden, gebrechlich wirkenden alten Mann auf die Bühne kommen, und auch danach wirkte Lou Reed so lange fragil, bis er mit lang ausgestreckten Beinen auf der Bühne im Sessel sass und in seiner charakteristisch langsamen, rhythmischen Sprechweise langsam Fahrt aufnahm. Nur selten hat man bisher Festivaldirektor Jean Perret so sichtlich bemüht und gleichzeitig unsicher erlebt: Es ist ja auch nicht einfach, einen anerkannten Künstler zu seinem brandneuen Erstlingswerk ernsthaft und doch vorsichtig zu befragen.

Dabei kam es zunächst von der Seite Reeds zu wenig mehr als Platitüden, immerhin machte er klar, dass ihn wirklich das Interesse an der alten Frau getrieben hatte, er redete sich selber sichtlich in neue Begeisterung beim Paraphrasieren der Aussagen seiner Cousine im Film.

Als Zugabe las Reed dann einige seiner Texte, ungewohnt monoton, so als ob sie noch auf die Musik warten müssten. Hier eine kleine Hörprobe (mit Saalhall):

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Und danach, obwohl eigentlich nur schriftliche Fragestellungen über kleine Pinkslips im Publikum geplant gewesen war, meinte er, nun da er schon über acht Stunden im Zug gesessen hätte, wäre es ja schade, schon wieder aufzuhören, und erklärte sich bereit, Publikumsfragen zu beantworten.

“Maybe this wasn’t such a good idea”, war dann allerdings seine erste Antwort, als eine Frau aus dem Publikum die reichlich absurde Frage stellte, was aus der Mandoline geworden sei, die Shirley ihrer Erzählung nach aus Kanada nach New York mitgebracht hatte… erst als die britische Filmemacherin und Jurymitglied Molly Dineen ihn nach der Fokusführung beim Filmen fragte und ihn (beziehungsweise Kameramann Gibson) für die raffiniert geschichtete Tiefenschärfe komplimentierte, taute Reed wieder auf und freute sich, den Trick mit den Freeze-Frames zu erklären: Einzelne Einstellungen hätten ihm dermassen gut gefallen, dass er sicher stellen wollte, dass niemand das Bild verpasse – und darum hätten sie sechs Einstellungen im Film schlicht und einfach zu Standbildern gefrieren lassen – ein Kniff, der dank HighDef tatsächlich erstaunlich wirkungsvoll funktioniert.

Eine Stunde hatte das Publikum vor dem Theatre de Marens in Nyon geduldig gewartet, um die New Yorker Rock-Ikone zu erleben – und dann zeigte sich, dass da im Saal eben doch nicht das übliche, alerte, dokfilmaffine und neugierige Publikum des restlichen Festivals sass, sondern vor allem Fans und Neugierige, denen es nicht ganz gelang, Lou Reed als Filmemacher so ernst zu nehmen, wie er es verdient hätte. Der stärkste Augenblick ausserhalb des Films war denn bezeichnenderweise auch jener, als Reed sich über den starken Boom (Hall) seines Mikrofons beklagte und den Menschen am Mischpult aufforderte, etwas dagegen zu unternehmen. Da sprach die anerkannte Autorität, und für kurze Zeit war die allgemeine Verunsicherung überwunden.

Integration macht Spass. Nicht unbedingt im realen Leben und wahrscheinlich noch viel weniger in Italien. Aber dieser Dokumentarfilm zum Leben und Denken der Chinesen in Europas grösstem Chinatown, dem von Mailand, der ist ein Vergnügen. Ein kluges, witziges, charmantes, einnehmendes Plädoyer, ein Film, der seinen Schalk schon im Titel trägt. Der “giallo”, das ist der Krimi, der Schundroman, Pulp Fiction in Italien, abgeleitet vom gelben Umschlag einer einst extrem populären billigen Krimireihe eines italienischen Verlagshauses. Wörtlich heisst Giallo a Milano natürlich “gelb in Mailand”, aber auch Krimi in Mailand. Und wie einen Krimi hat der Sinologe und Dokumentarfilmer Sergio Basso seinen Film strukturiert. 15 Elemente brauche ein guter Thriller verkündet der Film am Anfang, und dekliniert die dann durch, vom “jungen Verräter” bis zur “singenden Puppe” oder der Verfolgungsjagd.

Dabei verwendet der Filmemacher neben den üblichen dokumentarischen Methoden, den Interviews und Talking Heads, vor allem rasante Montagen, sei es von begeistert turnenden Mädchen, jungen Schülerinnen und Schülern, oder einem jungen chinesischen Schauspieler, der seine Eltern herausfordert. Aber auch wunderbar animierte Sequenzen, wenn ein mehrfach in die Kriminalität abgestürzter junger Mann von seiner Odyssee von China über Russland nach Mailand erzählt.

Im Zentrum stehen zwei chinesische Paare im Bett, bei denen sich Mann und Frau gegenseitig ihre Träume und Ängste anvertrauen. Was auf den ersten Blick dermassen natürlich wirkt, dass man unwillkürlich an gestellte Szenen mit Schauspielern denkt, ist in Wirklichkeit in monatelanger Arbeit mit dem Regisseur und den Paaren entstanden, als dokumentierte Realität für fremde Augen – ein Verfahren für die Integration “über den Bauch” wie es der Regisseur nennt: Die sind ja wie wir, die gleichen Träume, Ängste, Sorgen und Hoffnungen.

Das funktioniert hervorragend, und viele andere Szenen im Film ebenfalls, weil sie fast alle weder ernst noch dozierend oder predigend daherkommen, sondern mit Schalk und vor allem viel Selbst-Ironie der Protagonisten.

Dass Mailands Chinatown eine relevante Grösse haben muss, lässt sich unter anderem daran ablesen, dass die Website des corriere della serra eine chinesische Sektion aufweist und zudem das Materialdossier zu dem Filmprojekt hostet.

Integration und der Aufruf zu menschlicher Verbundenheit haben selten so viel Spass gemacht und so viel Wirkung gezeigt wie bei diesem Film. Und dann hat der Regisseur hier vor dem Publikum in Nyon noch den wichtigsten Hinweis von allen gegeben: Oft habe das Publikum, das sich solche Filme ansehe, gar am Morgen um elf an einem normalen Dienstag in Nyon, das Gefühl, sich persönlich engagiert zu haben. Das sei natürlich ein Trugschluss. Nach dem Film gelte es, nach Hause zu gehen, und sich zu überlegen, ob die eigenen Nachbarn nicht vielleicht doch Menschen seien wie wir auch.

Die Zeit für die Aufarbeitung der Gurus ist definitiv gekommen. Der junge, in der Schweiz lebende Amerikaner Kaleo La Belle hat mit Beyond this Place gestern Abend eben den dritten Film zum Thema an diesem Festival geliefert – und den berührendsten. La Belle hat seine frühe Kindheit als Sohn eines amerikanischen Proto-Hippie-Paares auf Maui erlebt. Bald aber ist sein Vater zu dessen sterbender Mutter in die USA zurückgekehrt, und schliesslich ist auch La Belles Mutter mit dem Sohn zu ihren Eltern zurück gereist – ausgerechnet ins kalte Detroit. Siebzehn Jahre nach seiner letzten Begegnung mit dem Vater versucht der Sohn nun eine Annäherung an ihn, diesen “Hippie-General ohne Truppe”, diesen Extremindividualisten, der dem Sohn auf den Vorwurf, er hätte seine Verantwortung als Vater nicht wahrgenommen, grinsend erklärt, jedes Kind suche sich seiner Eltern selber aus, das sei Karma. Der Vater, der seit seiner Erleuchtung nicht mehr Gordon La Belle heisst, sondern Cloud Rock, liebt vor allem drei Dinge: Sich selber, seine Drogen und das Fahrradfahren. Und da versucht der Sohn einzuhängen, er schlägt einen ausführlichen Fahrradtrip zum Spirit Lake und dem Mount Saint Helen vor – und der Vater steigt darauf ein.

Was folgt, ist die absolut faszinierende, berührende und dabei auch ausführlich enervierende Auseinandersetzung des jungen Filmemachers mit dem Mann, den er als Kind idolisiert hat, als Teenager verflucht, und als junger Vater schliesslich zögernd gesucht. Vierzig Jahre hat Cloud Rock in einem permanenten Drogenhigh gelebt und er ist stolz darauf. Beim Velofahren mampft er Schokolade, die er mit Psychopilzen gestreckt hat, in den Pausen raucht er sein Marihuana, zum Frühstück wirft er Batterien von Pillen ein, und andauernd verkündet er wie ein Mantra sein Recht auf uneingeschränkte Freiheit. Dass sich die beiden schliesslich doch irgendwie finden, ist nicht das Wunder dieses Films, sondern das Resultat der filmischen Arbeit des Sohnes. Denn dieser nimmt sein Publikum nicht auf einen grossen Versöhnungstrip mit, sondern auf eine exemplarische Reise in die Welt dieser Elterngeneration. Es ist die gleiche Reise, die wir hier in Nyon mit Guru – Bhagwan, his Secretary, his Bodyguard unternommen haben, und mit David Sievekings David Wants to Fly. Es geht um den Traum von einer neuen Welt, den in den sechziger und siebzieger Jahren viele junge Eltern geträumt haben, und um den Widerspruch zwischen Verantwortung und Freiheit, der sich für ihre Kinder zum zentralen Problem entwickelt hat. Es geht auch um das sture Festhalten an der Utopie, selbst auf Kosten der Freiheit der Kinder, oder der Anhänger, wie es exemplarisch auch Die Kinder vom Friedrichshof rund um die Otto-Mühl-Kommune aufzeigt.

La Belles Beyond this Place ist aber auch deswegen ein faszinierender Film, weil der Sohn neben dem menschlichen und psychologischen Rüstzeug für die Auseinandersetzung mit dem Vater sein eigenes professionelles Können als Filmemacher ins Feld führt. Indem er die riskante Begegnung mit den Mitteln angeht, die er sich an der Schweizer Filmschule angeeignet hat, tritt er dem Vater nicht nur als anklagender Sohn entgegegen, sondern gleichzeitig als Profi, als Künstler, als Ausübender der eigenen Bestimmung. Und das ist offensichtlich etwas, was den Vater nicht nur beeindruckt, sondern regelrecht einnimmt. Der Film wird, unter anderem, weil er weit über die Vater-Sohn-Begegnung hinaus noch viele andere Aspekte und Protagonisten aufbietet, zu einer Auseinandersetzung der unfreien Kinder mit ihren überfreien Eltern.

Die Sektion tendances des Festivals hat tatsächlich die eine oder andere Überraschung zu Zeitfragen auf Lager. Jens Schanzes Plug & Pray setzt sich mit der Computertechnik, der Suche nach künstlicher Intelligenz und der Robotik auseinander. Aber nicht so, wie die meisten der atemlosen Technikmagazine am Fernsehen, sondern hauptsächlich über zwei Antagonisten. Einerseits den Zukunftsevangelisten Raymond Kurzweil, der den ersten Vorlese-Synthesizer für Blinde gebaut hat und seither unermüdlich die Zukunft beschwört, bis hin zu Nanocomputern, welche dereinst unsere roten Blutzellen ersetzen und als Maintenance-Systeme die ewige Jugend garantieren sollen. Auf der anderen Seite der 2008 verstorbene ehemalige MIT-Computerprofessor Joseph Weizenbaum, der im Alter zum unermüdlichen Advokaten für mehr Menschlichkeit und weniger technokratisches Zukunftsgebabbel geworden war.

Wenn Weizenbaum im Film erzählt, wie unter anderem die Reaktionen auf seine Entwicklung von ELIZA, jenem simplen Computerprogramm zur Simulation von Frage- und Antwortabläufen (das den Vorläufer der späteren Expertensystemen darstellte) dazu führte, dass er begann, die verhängnisvolle Anthropomorphisierung der Computersysteme, beziehungsweise die damit einhergehende Mechanisierung des Menschen in Frage zu stellen, dann gehört das zu den stärksten Momenten eines sehr schön und schlüssig gemachten Dokumentarfilms. Es kommen Roboterentwickler zu Wort und auch die immer wieder beliebten humanoiden Maschinen ins Bild. Aber das Grausen packt einen dann an einer Open-Air-Messe für Militärrobotik bei der Bundeswehr, wo jovial lachende uniformierte Technokraten sich mit Wissenschaftlern über das Potential selbstlenkender Fahrzeuge und intelligenter Drohnen austauschen, und das Publikum applaudiert, wenn so ein selbstlenkender Karren ein Schlammloch bewältigt.

Das alles ist erhellend und stimmt nachdenklich, aber wirklich beeindruckend ist Joe Weizenbaum, auch dann, wenn er sich mit unnachahmlicher Lakonie über die moderne Computertechnik in seiner Wohung lustig macht, über die unzähligen Laptops, von denen er immer wieder neue kauft, über kabellose Funktionen, die man an den Kabelhaufen unterm Tisch erkennt und ähnliche Alltagsphänomene, die wir nur allzu gut kennen.

Weizenbaums Behauptung, dass zwar die Philosophie schon immer disputiert habe, dass der Mensch einen freien Willen besitze, dass aber unser Verhältnis zum PC im Alltag diesem oft ganz unwillkürlich einen solchen zuschreibe, geht unter die Haut. Denn was sonst kann es bedeuten, wenn wir unseren Rechenknecht anflehen, bitte nicht schon wieder einzufrieren oder abzustürzen?

Luciano Barisone ©sennhauser

An einer Pressekonferenz in Nyon hat Claude Ruey, der Präsident des Vereins Visions du réel eben die Nachfolge für Jean Perret als Direktor des Festivals bekanntgegeben: Luciano Barisone vom Festival dei popoli von Florenz. Barisone wird die Hälfte des neuen Leitungsteams ausmachen, die Geschäftsführung wird erst noch gesucht. Über seine Pläne für das Festival konnte und wollte Barisone noch nicht reden, dafür wird es in einigen Monaten eine eigene Pressekonferenz geben. Und für die unglückliche Terminierung der Festivalausgabe nächstes Jahr unmittelbar vor dem Festival von Cannes, nämlich vom 5. – 11. Mai 2011 kann er nichts, das Datum wurde von der aktuellen Equipe festgelegt.

Micheil Saakaschwili in 'Something about Georgia' von Nino Kirtadze

Auch der politische Dokumentarfilm lebt in Nyon weiter. Allerdings ist das, was die in Paris lebende Georgierin Nino Kirtadze gestern Abend hier gezeigt hat nicht die klassische Dokumentation über die laufende Invasion eines Staates. Radikal subjektiv und ganz aus der Sicht der Bevölkerung gefilmt, erzählt sie von jenen verhängnisvollen Tagen im August 2008, als Russland die Invasion begann, im Zusammenhang mit den Unabhängigkeitsbestrebungen von Süd-Ossetien und Abchasien. Kirtadze beginnt den Film mit der Frage, ob Georgiens Traum von der Zugehörigkeit zu Europa, von einer freien demokratischen Gesellschaft nicht vielleicht Georgiens Fluch darstelle?

Zu dem Schluss kann man tatsächlich kommen, wenn man die Bilder von den ersten Angriffen der russischen Armee sieht, die Leichen, die zerstörten Häuser, und dann die verzweifelten Versuche von Präsident Saakaschwili, mit Hilfe von Nicolas Sarkozy den Westen dafür zu gewinnen, Russland unter Druck zu setzen. Was den Film aber zusätzlich aussergewöhnlich macht, ist der Umstand, dass Kirtadze mit ihrer Kamera Saakaschwili unmittelbar begleitet hat, schon lange vor dem Angriff. Im Zusammenhang mit dem Walhkampf vom Mai 2008 hat sie sein Vertrauen gewonnen und ist ihm zeitenweise auf Schritt und Tritt gefolgt. So sitzt sie in den Tagen der Krise sogar bei ihm im Auto, filmt seine hektischen Telefonate mit Diplomaten und Krisenmanagern. Dass es ihr trotzdem gelingt, auch die Opposition angemessen ins Bild zu rücken, tut dem Film gut. Auf der emotionalen Ebene aber fibert man mit der georgischen Bevölkerung mit, verzweifelt über die surreale Hilflosigkeit der europäischen Beobachtungstruppen im Land und kommt selber zum Schluss, dass Europa und der Westen Georgien im Stich gelassen haben – weil die Abhängigkeit vom russischen Öl und Gas einfach wichtiger ist. Something about Georgia funktioniert als Film gerade, weil er ganz klar Partei ergreift. Wenn Kirtadze dabei oft nahe an die Methoden der Propaganda gerät, dann verzeiht man ihr das, weil die Subjektivität von Anfang an deklariert und demonstriert wird. Das führt dann allerdings auch dazu, dass man das Kino nicht anders als deprimiert verlassen kann. Die Feigheit angesichts einer eindeutigen Aggression ist am Ende eben unsere eigene Feigheit. So ganz ähnlich drückt das eine alte Frau im Grenzgebiet aus, die ihr Haus und ihre Familie im fortdauernden schleichenden Annektionsprozess verloren hat.

Die Zeit ist offensichtlich reif für die Aufarbeitung der Gurus. Bhagwan Shree Rajnees, dem in den Siebziger Jahren auch viele blumenkindersehnsüchtige Schweizerinnen und Schweizer anhingen, den Ashram in Poona besuchten und seine Sex-Befreiungbücher lasen, hat seine Spuren hinterlassen. Heute lebt seine einstige Sekretärin und rechte Hand, Sheila Birnstiel, die Frau, welche die amerikanische Bhagwan-Kolonie aufgebaut hatte und schliesslich dafür im Gefängnis landete, in Maisprach in der Schweiz. Und Hugh Milne, der hünenhafte Schotte, der in Poona der Bodyguard des Bhagwans gewesen war, führt ein Zentrum für Craniosakral-Therapie in Big Sur in Kalifornien. Sehr offene und geschickt montierte Interviews mit den beiden fügen Sabine Gisiger und Beat Häner zusammen mit Unmengen von Archivmaterial zu einem schlüssigen Bild einer dieser Hippie-Bewegungen, bei denen sich der Traum von der alternativen Gesellschaft in einen Albtraum verwandelt hat.

Was die Künstlerkolonie von Otto Mühl (Wir Kinder vom Friedrichshof) in Österreich im kleinen war, war die Bhagwan-Bewegung globalisiert: Ein Traum, der am zunehmenden ökonomischen Druck und dem Kontrollzwang der Vorträumer scheiterte.

Sabine Gisiger und Beat Häner schaffen es, ihren Film diesem Traum folgen zu lassen. Obwohl sich Milne schon zu Beginn vor der Kamera fragt, wie das alles so falsch habe herauskommen können, lassen die Filmemacher mit den Erinnerungen ihrer beiden Zeugen und dem Archivmaterial zuerst einmal nachvollziehbar die Euphorie, den Traum von der freien Gesellschaft im Ashram auferstehen. Dabei braucht es keine Kniffe und keine Verklärung, die lachenden, glücklichen Menschen in den Archivaufnahmen sprechen für sich, eben so die Erinnerungen Milnes und Birnstiels, die sich selber mit leuchtenden Augen in die Euphorie der Anfänge zurückversetzen.

Mit dem Zerfall, dem Missbrauch, der Manipulation, der Paranoia und der kommerzialisierung der Bhagwan-Bewegung im Zentrum in Oregon dreht dann auch der Film ins Albtraumhafte, die Verfrachtung dutzender von Obdachlosen als Stimmvieh in den Ashram und ihre sofortige Abschiebung nachdem die Stimmregister des Countys wegen Verdacht auf Missbrauch geschlossen worden waren kommentiert Birnstiel mit Bedauern und dem Hinweis darauf, die Idee sei gut gewesen, bloss hätten weder sie noch Bhagwan sich überlegt, was mit den Menschen nachher geschehen sollte.

Bei beiden Protagonisten ist einerseits das ehrliche Bemühen um eine akzeptable Wahrheit zu spüren, andererseits halten beide auch an ihren Erinnerungen fest, stehen dazu, dass sie einst völlig den Traum gelebt hatten, ohne Rücksicht und mit wenig Einsicht.

Guru von Sabine Gisiger und Beat Häner ist ein eindrücklicher Film, weil er nach allen Regeln des Dokumentarfilms das Feld eröffnet, das Material liefert und sortiert, seine Zeugen reden lässt, sie gezielt befragt und schliesslich den Raum offen lässt für die Schlüsse des Publikums. Dass es den Filmemachern gelingt, einen für den Traum einzunehmen, nachvollziehbar zu machen, was Millionen von Menschen fasziniert hat, ohne je etwas auszublenden von dem was von Anfang an lächerlich war, oder verdächtig, oder schlicht und einfach platt – das ist die Leistung, welche dem Film Kinoformat gibt: Guru ist ein abendfüllendes Erlebnis.

Seit 1995 sammeln sich im Büro der Visions du réel in Nyon die Videokassetten, ein paar Jahre später fing es dann mit den DVD an. Jean Perret und sein Team waren am Anfang ja strenge Verfechter der 35mm Kopie, in den ersten Jahren kam in Nyon nichts anderes auf die Leinwand. Was nicht heisst, dass Video für Visionierungszwecke nicht zugelassen war. Heute bilden die Spuren dieser Jahre eine eindrückliche Videowand in den Festivalbüros. Auf dem Bild sind die Videos ab ca. 2001 zu sehen, links davon wäre eine weitere Wand mit DVD. Die Atmosphäre, welche von den Dingern ausgeht hat etwas Magisches, anders als Bücher sind Filmdatenträger aber nicht beruhigend, sondern bestenfalls euphorisierend, im schlimmeren Fall machen sie mich kribbelig. Nur schon, weil der einzige Impuls da sein kann, sich hinzusetzen und oben links mit Visionieren anzufangen…

Auch ernsthafte Dokumentarfilme können pompös wirken, und Kitsch ist manchmal nötig, um den heiligen Schauer zu erzeugen, der dem Kino zu eigen ist. Wenn der Däne Michael Madsen sich mit Into Eternity dem finnischen Onkalo widmet, dann weht schon in den ersten Bildern ein Hauch von Ewigkeit durch den Saal. Denn Onkalo ist ein Endlager für nuklearen Abfall, ein riesiges Tunnelsystem im Permafels, das 100’000 Jahre dichthalten soll. Das ist eine Zeitspanne, die unser Geschichtsverständnis um ein mehrfaches überdehnt, ein Zeitraum, den niemand ernsthaft berechnen kann. Die grösste Gefahr für so ein Lager geht von unseren Nachfahren aus, darin sind sich die meisten Protagonisten im Film einig. Denn die dürfen nie vergessen, Onkalo zu vergessen, bzw. sie müssen lernen, die Erinnerung daran auszulöschen, und das für alle kommenden Generationen. Ein logischer Treppenwitz wie so vieles, was mit der Endlager-Thematik zu tun hat.

Madsen arbeitet mit Musik und aufgeladenen Bildern, mit Genremomenten und mit Talking Heads. Zu Beginn des Films tut sich das Tiefenportal zur Grossbaustelle unter Tag auf, die Kamera begibt sich auf den Höllentrip, lässt sich von der Erde verschlucken. In der Dunkelheit taucht Madsen auf, der sich selber mit einem Streichholz illuminiert und direkt unsere Nachfahren in der zukunft anspricht, sie fragt, warum sie in den Ort eingedrungen sind, allen Warnungen zum Trotz. Der Film ist informativ und manipulativ auf einer sehr emotionalen Ebene. Der Hauch von Ewigkeit, die Ahnung von Hybris erzeugt Madsen mit allen Mitteln grandioser Inszenierung, mit opernhaftem Getöse, wallenden Staubwänden, hartem Chiaroscuro und dann plötzlich wieder mit ganz einfachen, magischen Bildern. Wenn er etwa thematisiert, dass dieser strahlende Abfall nicht einfach weg geht, und dabei eine Elchkuh im verschneiten Wald zeigt, die sich hinter einen Baum stellt und plötzlich nicht mehr zu sehen ist, weil sie im Schlagschatten des Stammes verschwindet. Oder wenn Madsen später die gleiche Elchkuh zeigt, die seelenruhig und unbewegt ihren Mist in den Schnee fallen lässt und dann ganz langsam davon stakst – das sind die stärksten Momente des Films, auch wenn die grossartigen Bilder sonst viel aufwändiger inszeniert und ausgeleuchtet sind. Dass Peer Gynt und die Berghalle nicht weit sind, selbst dann nicht, wenn Kraftwerk singen, ist natürlich dem Film nicht anzukreiden. Dass Madsen es mit diesem sehr wirkungsvollen Werk in die Doc Alliance Selection 2010 geschafft hat, ist auch nicht überraschend. Und schliesslich nehme ich mich selber bei der Nase: Warum dieses leise Unbehagen, wenn ein Dokumentarfilm auf Wirkung setzt, auf optische und akkustische Überwältigung? Schliesslich ist er argumentativ und methodisch sauber, was also stört mich am Pomp?

Toller Titel, schönes Versprechen: Videocracy des Italieners Erik Gandini verkauft sich als gnadenlose Autopsie der Macht, welche Silvio Berlusconi über Italien dank seines Medienimperiums ausübe. Tatsächlich aber kocht Gandini hier “eine dünne Suppe” (Dokfilmkollege K.W. aus A.), die zudem noch zu guten Teilen aus genau jenen Bildern besteht, die er denunzieren möchte. Weibliche Rundungen, Blondinen, Veline eben … Dass Berlusconis Macht auf Ärsche und Titten gebaut sei, ist weder neu noch völlig zutreffend. Und wenn Gandini dann noch zwei weitere Gestalten ins Spiel bringt, den mächtigsten TV-Agenten und Berlusconi-Freund und den Signor Corona, seines Zeichens Herr über ein Paparazzi-Imperium, das seine Fotos von den Reichen und Mächtigen gegen Entgelt nicht an die Klatschblätter Berlusconis verkauft, dann macht dies den Film auch nicht überzeugender.

Als Nicht-Italiener könnte man zwar bald schon kotzen ob den Dauergrinsern der Macht und noch mehr ob den vielen willigen Männern und Frauen, die sich den TV-Kameras als Pausenfleisch andienen, aber der Film formuliert keine fassbare These, bringt kaum Fakten und lebt letztlich von der unheiligen Allianz, welche die grösstenteils geborgten Bilder mit einem übertrieben dramatisierenden Thriller-Score eingehen. Geredet wird grösstenteils Italienisch, der Off-Kommentar des Regisseurs radebrecht allerdings Englisch. Das ganze Machwerk ist eine schwedisch-dänische Koproduktion unter dem Zeichen von Zentropa. Klar doch, wer spottet nicht gern über dieses Italien und seine Italienerinnen und Italiener? Immerhin ist der Film hier in Nyon in der Sektion “tendances” korrekt untergebracht. Und einen Moment der Wahrheit hat Gandini tatsächlich, den verfeuert er aber schon in den ersten Minuten, wenn er erklärt, nur wer in diesem Italien aufgewachsen sei, so wie er, könne das überhaupt verstehen. Vielleicht erklärt dieser Satz auch die verblüffende Ähnlichkeit des Regisseurs mit dem von ihm so gnadenlos denunzierten Herrn Corona. Mit seiner filmischen Methode erweist er sich auf jeden Fall als echter Schüler von Mediaset: