Da fährt einer sein Bambuswäldchen spazieren. In Cannes kann man das. ©sennhauser

Hier in Cannes ist der Bär los, der Löwe, der Tourist und das Starlet. Und natürlich die Journalisten und die Filmeinkäufer und die Kinobetreiber. Es gibt hier vieles, das man noch nirgendwo gesehen hat, und einiges mehr, das man immer wieder zu sehen bekommt. Davon, von der täglichen Routine der Festivalgänger, dokumentiere ich etliches in einer Reihe von Wegwerfdokumentarkurzfilmen auf der Webseite von DRS2: Sennhausers Cannes Shorties

Jetzt ist Maurice Sendak doch gestorben. Aber seine Bücher haben ihn ja längst unsterblich gemacht. Und natürlich der Film. Der kurze Dokumentarfilm oben lässt ihn zu Wort kommen mit seinem ganzen grimmigen Charme.

Sven heisst nicht wirklich Sven. Und falls er tatsächlich Archäologie studiert hat, dann wohl nicht in Bamberg. Aber Sven ist pädophil, das weiss er seit seiner Pubertät. Und fast eben so lange ist ihm klar, dass es für seine Neigung keine Erfüllung geben darf. Während einem der vielen Interviews in Outing erklärt er sinngemäss, er habe ja noch Glück, er sei nicht nur pädosexuell, sondern auch schwul. Und da bestehe zumindest die Chance, dass er einmal jemanden finde, der im legalen Alter sei und ihm gewogen.

Nach all den dokumentarischen Spielfilmen und inszenierten Dokumentarfilmen, welche Österreich seit Seidl und Haneke auf die Welt los lässt, sind Outing und Stillleben von Sebastian Meise und Thomas Reider die konsequente und längst fällige Komplementierung. Ein Dokumentarfilm, der die Kernproblematik aufzeigt, und der ergänzende Spielfilm, der die aufgeworfenen Fragen durchspielt. Dabei ist der Dokumentarfilm Outing eigentlich das Nebenprodukt, entstanden aus den Recherchen für den Spielfilm heraus.

Drehbuchautor Thomas Reider wurde vom Berliner Charité-Projekt Kein Täter werden auf die Idee für den Spielfilm Stillleben gebracht. Es ist das weltweit erste Projekt, das sich der Täterprophylaxe für Pädophile angenommen hat, ein Therapieprogramm, dass den Männern (es gibt auch pädophile Frauen, die werden aber kaum wahrgenommen. Vielleicht auch darum, weil sie als Täterinnen kaum je in den Fokus geraten) die Möglichkeit geben will, sich ihrer Neigungen und der Gefahren bewusst zu werden und sich entsprechend zu verhalten.

Wie Sven im Dokumentarfilm Outing erklärt, ist es für therapiewillige Pädophile sehr schwer, überhaupt willige Psychiater oder Therapeuten zu finden. Das liegt daran, dass Pädophilie keine Krankheit ist, sondern eine “Störung” und nicht therapierbar. Pädophile können genau so wenig “geheilt” werden wie Homosexuelle. Ihre einzige Hoffnung besteht darin, ihre Neigung zu unterdrücken, eben nicht zu Tätern zu werden, sich keine Übergriffe auf Kinder zuschulden lassen zu kommen.

Der radikalste Schritt ist dabei die chirurgische Kastration. Ein älterer Pädophiler, der sich dazu entschlossen hat, erzählt Sven im Film davon. Er erklärt aber eindringlich, man könne den Schritt niemandem anraten. Neigungen und Sehnsüchte blieben bestehen, nur der Trieb sei wenigstens weg.

Outing ist ein mutiger Dokumentarfilm, nicht zuletzt, weil er sich auf den Mut und die Risikobereitschaft des extrem auskunftswilligen Sven einlässt. Der junge Mann sei fast schon kindlich in seiner Offenheit, erklärten die Autoren gestern nach der zweiten Vorführung in Graz, und laut einer psychiatrischen Diagnose zwanghaft aufrichtig. Darin ortet der einzige Psychiater, der überhaupt bereit war, im Film aufzutreten (im Gespräch mit Sven) aber auch ein Risiko: Mit dem Entschluss, sich über den Film zu outen, gewinne Sven ja keine grundsätzliche Zuneigung. Und zu Täter würden Menschen am Rande des sozialen Spektrums in der Regel dann, wenn sie nichts mehr zu verlieren hätten.

Wie alle relevanten Dokumentarfilme wirft Outing für jede Frage, die er beantwortet, eine ganze Reihe von neuen auf. Einige betreffen uns ganz grundsätzlich, etwa unsere Haltung gegenüber potentiellen Tätern: Wieviel Freiheit gestehen wir den Gedanken tatsächlich zu? Und wie verändert das wissen um eine Neigung unser Verhältnis zu einem Menschen? Diesen Fragen geht der wirklich grossartige Spielfilm Stillleben nach.

Und einige der Fragen betreffen das Handwerk des Dokumentarischen an und für sich (auch diese Autoreflexion ist ein unverzichtbarer Bestandteil jedes relevanten Dokumentarfilms): Wie viel Verantwortung lädt sich ein Filmemacher auf, gegenüber seinen Protagonisten, aber auch gegenüber der Öffentlichkeit? Soll ein Dokumentarfilm Teil einer Therapie sein, auch wenn sie allenfalls kontraproduktiv sein könnte? Was passiert, wenn ein Sensationsmedium den wahren Sven aufspürt und zu einem Teil einer Hetzkampagne macht? Beispiele dafür gibt es genug, man denke nur an die britischen Diskussionen um die Publikation von Sexualstraftäter-Registern.

Eine verblüffende aber einleuchtende Analogie machte übrigens gestern im Kino nach der Vorstellung Regisseur Meise. Ein Mensch im Rollstuhl müsse sich ja auch mit einer Lebenssituation arrangieren, in der nicht (mehr) alles möglich ist. Somit sollte auch ein Pädophiler damit leben können, dass er der Erfüllung seiner Neigung nicht nachleben kann und darf. Und schon sind wir wieder gefordert, denn wie lässt sich das in Einklang bringen mit Slogans wie “Wir lassen uns nicht behindern”, mit denen die Integration körperlich und geistig Behinderter in die Gesellschaft propagiert wird? Sind wir bereit dazu?

'Goodnight Nobody': Mila Dean aus Arizona, USA

Dokumentarfilme kommen ausserhalb der Schweiz noch schwerer ins Kino als bei uns. Aber wenn, dann haben Schweizer Filme oft sogar die besseren Chancen, unter anderem, weil sie nicht samt und sonders auf Fernsehstandard getrimmt sind. Das gilt auch und besonders für den faszinierenden Insomnia-Film Goodnight Nobody von Jacqueline Zünd. Wir haben ihn im Podcast beim Schweizer Start im Februar des letzten Jahres vorgestellt. Morgen startet der der mit fünf internationalen Preisen und dem «Quartz 2011» für die beste Filmmusik ausgezeichnete Film der gleichzeitig in den Schlüsselstädten Berlin, Hamburg, Hannover, Frankfurt, Dresden und Leipzig an. Es folgen weitere 20 Städte. In Nürnberg wird der Film am 16. März 2012 anlässlich des Weltschlaftags gezeigt.

'Goodnight Nobody': Fedir Nesterchuk aus der Ukraine

Goodnight Nobody begibt sich in die Köpfe von vier Insomniacs in Burkina Faso, China, Ukraine und in den USA und lässt die Zuschauenden den Zustand der Schlaflosigkeit nachempfinden. Der von der Zürcher Firma Docmine produzierte Film wurde vor zwei Jahren am Festival Visions du Réel in Nyon uraufgeführt, wo er den Preis des Besten Newcomer Films gewann. Goodnight Nobody war u.a. an Filmfestivals in Helsinki, Leipzig, Montreal, Sebastopol, Taipeh, Warschau und 2011 in Cannes in der Reihe ACID zu sehen. Der deutsche Verleiher Konstantin Fritz (Mixtvision München) kann bei der Auswertung neben der erfolgreichen weltweiten Festivalkarriere auch auf thematische Diskussionsveranstaltungen über Schlaflosigkeit setzen.

Die Jury und die Direktorin: Micheline Calmy-Rey (Alt-Bundesrätin); Séverine Cornamusaz (Filmemacherin); Seraina Rohrer (Direktorin); Charles Lewinsky (Schriftsteller)

Keine Überraschung bei der Preisvergabe in Solothurn: Ich hätte meinen Winterschnauz verwettet darauf, dass die Jury und das Publikum sich so entscheiden werden. Manchmal ist es aber schon schön, recht zu behalten. Hier die offizielle Meldung:

Die 47. Solothurner Filmtage, die ersten unter der Leitung von Seraina Rohrer, gehen heute Donnerstag mit einer positiven Bilanz zu Ende. In den vergangenen acht Tagen wurden rund 55’000 Kinoeintritte verbucht (Vorjahr 53’000). Die beiden Hauptpreise gehen an Fernand Melgar für «Vol Spécial» sowie Bernard Weber und Martin Schilt für «Die Wiesenberger». Bundesrat Alain Berset begrüsste in seiner Ansprache anlässlich der Nacht der Nominationen den von den Solothurner Filmtagen eingeschlagenen Weg hin zu mehr Diskussionen über Filme und Inhalte.

Mit der feierlichen Eröffnung und Xavier Kollers «Eine wen iig, dr Dällebach Kari» wurden die Weichen gestellt für eine Woche mit zahlreichen Höhepunkten. Die beiden neuen Programmpunkte «Upcoming» und «Fokus» haben ihr Publikum gefunden. Mehrere neue Schweizer Dokumentar- und Spielfilme wie «Bottled Life – Nestlés Geschäfte mit Wasser», «Courage», «Balkan Melodie», «Puppe» oder «My Generation» sorgten für Gesprächsstoff und fanden Zuspruch. Ein grosser Publikumsandrang am Wochenende und eine konstante Auslastung in der zweiten Festivalhälfte bescherten den Solothurner Filmtagen einen erneuten Anstieg der Kinoeintritte auf rund 55’000 (2% mehr als im Vorjahr).

Prix de Soleure 2012 an «Vol Spécial»

Den Jurypreis «Prix de Soleure» darf der Lausanner Regisseur Fernand Melgar in Empfang nehmen. Er erhält den mit CHF 60’000 dotierten Preis für seinen Dokumentarfilm «Vol Spécial». Melgar beleuchtet darin einen zentralen Punkt der schweizerischen Asylpolitik. Er erzählt die Geschichten von Sans-Papiers und abgewiesenen Asylsuchenden, die im Gefängnis von Frambois auf ihre Ausschaffung warten. «Vol Spécial» überzeugte die Jury durch «seine feinfühlige und zurückhaltende Kameraführung» und «seine kritische Schilderung einer gelebten Wirklichkeit, die so und in dieser Form nur in unserem Land möglich ist.»

PRIX DU PUBLIC 2012 an «Die Wiesenberger»

Auch der Publikumspreis PRIX DU PUBLIC (CHF 20’000) der zwei Festival-Hauptsponsoren Swiss Life und Die Schweizerische Post geht an einen Dokumentarfilm. «Die Wiesenberger» von Bernard Weber und Martin Schilt erzählt die Erfolgsgeschichte der Jodler vom Wiesenberg, die nach ihrem rasanten Aufstieg im Showbusiness die Möglichkeit erhalten, die Schweiz an der Expo in Shanghai zu vertreten. Das verlockende Angebot wird zur Zerreissprobe für die singenden Bergler. «Die Wiesenberger» setzte sich gegen zehn weitere nominierte Filme des Abendprogramms durch.

Sowohl der «Prix de Soleure» als auch der PRIX DU PUBLIC gehen jeweils zur Hälfte an die Regie und die Produktion des ausgezeichneten Films.

'Die Wiesenberger' ©xenix

Die diesjährige Auswahl für den Publikumspreis in Solothurn ist gross – und attraktiv. Und mindestens drei der nominierten Dokumentarfilme (Spielfilme sind auch dabei, zum Beispiel Hell von Tim Fehlbaum, oder Off Beat von Jan Gassmann) fahren auf den ersten Blick die Ethno/Folklore-Schiene, wenn auch jeder auf seine sehr spezielle Art. Alpsegen von Bruno Moll, der rasante, schwarzweisse und als Hommage an Scorseses Raging Bull ziemlich grossartig gestaltete Kampf der Königinnen von Nicolas Steiner und schliesslich die grosse Überraschung von gestern Abend, Die Wiesenberger. Der Film ist darum eine positive Überraschung, weil er einerseits sorgfältig eine Erfolgsgeschichte mit Folgeproblemen erzählt, nämlich die der plötzlichen Popularität des Jodlerklubs Wiesenberg nach ihrem Sieg bei den grössten Schweizer Hits.

Andererseits geht der Film über die vordergründige Geschichte hinaus und wird zu einer unaufdringlichen Reflexion der medialen Spiegelwelt. Wenn sich einerseit zuerst die Sänger vom Jodelklub berührt zeigen davon, plötzlich mit den Leuten auftreten zu können, die sie jahrelang am Fernsehen gesehen haben, dann aber bald auch die Kehrseite des medialen Ruhms kennenlernen, nämlich das Pech, dass aus dem entspannenden Hobby plötzlich ein anstrengender Wochenendberuf zu werden droht, dann wird der Film auf überraschende Weise lebendig.Filme über das Leben der Bergler in den Bergen gibt es mittlerweile in allen Varianten, verklärend, ethnologisch, ethnografisch, distanziert und kritisch. Aber die Wechselwirkung zwischen der zunehmenden Popularität dieser “Swissness” in In- und Ausland hat noch keiner dieser Filme so schön ins Bild gerückt – und mit so viel Spass an der Sache auch. Das hat damit zu tun, dass die Wiesenberger Jodler als Klub basisdemokratisch funktionieren, dass vor allem der zentrale Konflikt – nehmen wir die Einladung an die Expo in Shanghai an oder bleiben wir da zum Heuet – schliesslich salomonisch gelöst wird. Damit bietet sich die Erfolgsgeschichte der Wiesenberger nicht nur zu Identifikation an, sondern auch als Metapher für den “Sonderfall Schweiz”, der mit Kompromissen den Erfolg am Leben hält.

Dabei machen die beiden Filmemacher vieles noch richtiger als andere. Sie zeigen gerade so viel von der majestätischen Alpenpracht und der zeitweiligen Idylle, dass diese Sehnsucht gestillt wird. Sie zeigen die einzelnen Männer als stille oder auch überaus eloquente Helden des kleinen Alltags, und sie rücken den künstlichen Showbiz-Glamour der grossen Fernsehschau nur so weit ins Bild, dass der Kontrasat zum Alltag deutlich wird, ohne der Eigendynamik des People-Business völlig zu verfallen. Francine Jordi wird so weit wie möglich ausgespart, Dimitri kommentiert die Einzigartigkeit des Jodelns eher in ein SF-Mikrofon und wird dabei sekundär dokumentiert, und Polo Hofer ist eher der Mitmusiker und Nutzniesser, als der gönnerhafte Star.

Bei allem Vertrauen in die filmreifen Momente mit ihren Protagonisten, bei allem dramaturgischen Kalkül und wohl gerade wegen der didaktisch-dramaturgischen Anlage des Films ist er nicht nur grösser geworden als die Summe seiner Teile, sondern auch doppelbödiger, als seine vordergründige Wirksamkeit auf den ersten Blick zu erkennen gibt.

Ins Kino kommt er übrigens am 23. Februar.

Seraina Rohrer und Matthias Bürcher Im Filmtageradiostudio ©Ruedi Wild

Am Donnerstag ist Preisverleihung. Bis dahin sind noch knapp drei Tage übrig von den diesjährigen Solothurner Filmtagen – den ersten unter der Leitung von Seraina Rohrer. Was war anders? Was hat sich bewährt? Und wo steht der Schweizer Film überhaupt? Michael Sennhauser unterhält sich im Landhaus in Solothurn live mit Matthias Bürcher und mit der neuen Filmtageleiterin über ihre Feuertaufe.

Die Sendung ist bereits online, hier zum Download und hier zum Hören: [Audio clip: view full post to listen]

Mit ihrem wunderbaren, witzigen Katzenball von 2005 hat die Bernerin Veronika Minder die Erwartungen an ihren neuen Film hochgeschraubt. My Generation hat eine täuschend einfache Prämisse: es geht um in der Schweiz lebende Menschen mit Jahrgang 1948, Männer und Frauen mithin, die zu Veronika Minders eigener Generation gehören und die im längst legendären 1968 im richtigen Alter waren, um am gesellschaftlichen Veränderungsprozess aktiv teilzunehmen – oder eben nicht. Dazu hat Veronika Minder eine ganze Reihe von Leuten interviewt und mit der Kamera besucht, welche die Grundvoraussetzung erfüllten, sonst aber möglichst diverse Hintergründe und Biografien aufweisen.

Der fertige Film konzentriert sich auf sechs von ihnen: Patrizia Habegger, Uschi Janowsky, Fredy Studer, Mary-Christine Thommen, Willi Wottreng, Jean-Pierre Ruder. Dass dabei die Männer, vor allem der Journalist Wottreng und der Jazz-Schlagzeuger Studer mehr oder weniger öffentliche Figuren sind, die Frauen dafür eher ‘klischee-typisch’ (das Hippiemädchen, die Sachbearbeiterin, die Tänzerin), entspricht sicher nicht einer Absicht, ist allenfalls das Resultat des Versuches, etwas mehr zu schaffen, als nur eine Reihe von individuellen Alterungsporträts. Was der Film möchte, umschreibt der kurze Text auf der Webseite der Produzentin Cobrafilm so:

Sie waren jung, wild – und sexy. Heute stehen sie kurz vor
der Pensionierung und machen sich Gedanken über die
Zukunft. Vor vierzig Jahren waren sie zwanzig und „trauten keinem über dreissig.“ Sie haben viele Werte in Frage gestellt und auch sich selbst neu hinterfragt. Für einige war eine dezidiert linke politische Haltung enorm wichtig, für andere die sexuelle Befreiung, die Karriere oder weite Reisen. Manche probierten andere Lebensformen aus und experimentierten mit psychoaktiven Substanzen wie LSD, Cannabis oder Opium. Heute reflektieren sie über die gesellschaftlichen Entwicklungen der letzten Jahrzehnte und reden übers Älterwerden und ihre Pläne.

Das alles wird durchaus sicht und hörbar in dem Film, man erfährt einiges über fast alle der Protagonisten. Mit Ausnahme des Raumfahrt-Wissenschaftlers Ruder. Dessen Funktion scheint mehr die eines Theoretikers für globale oder vielleicht eher universale Zusammenhänge zu sein, bis zurück zum Urknall. Aber so, wie seine Ausführungen über die Forschungshintergründe und -Resultate von Mondfahrt bis Teilchenbeschleuniger nie wirklich zu einem tragenden Gerüst für den reestlichen Film werden, so disparat bleiben auch die Biografien der anderen. Nur der einstige Maoist und Aktivist Willi Wottreng, der seine späte journalistische Karriere nach dem Ende der alten Weltwoche als Nachrufschreiber bei der NZZ am Sonntag beschliesst, funktioniert als “Rückgrat” des Films so, wie es das Konzept möglicherweise vorgesehen hat. Er formuliert mit Schärfe, Witz und Selbstironie, wie sein Leben und das seiner Generation verlaufen ist.

'My Genaration' Willi Wottreng ©filmcoopi

Daran hängen sich die anderen Biografien eher wie einzelne, manchmal durchaus schöne und eigene Gewächse an. In den Erzählungen aller von Ihnen blitzt immer wieder etwas Universelles auf, und manche der vor allem gegen Ende des Films in Themenblöcken organisierten Themen wie Spiritualität, Altern, Selbstzweifel und Selbst-Versicherung schaffen es sogar so etwas wie eine Durchgängigkeit der Unterschiede zu formulieren. Das sind die Momente, in denen aufblitzt, was der Film hätte sein können. Aber so, wie er jetzt, rund 18 Stunden nach seiner Uraufführung in meiner Erinnerung bleibt, treiben da nur einzelne Sätze und Momente durch meinen Kopf. Vor der Premiere im Landhaus sagte die Produzentin Valerie Fischer auf der Bühne, sie habe ursprünglich zu Veronika Minder gesagt: “Wir sollten wieder einmal einen Film über die Babyboomer machen”. Diesen Wunsch haben sie sich erfüllt, und das ist ja nicht wenig. Aber My Generation ist nicht der Film über die Babyboomer geworden, nicht einmal der Film über die Babyboomer in der Deutschschweiz. Und dabei habe ich nicht das Gefühl, falsche Ansprüche an den Film zu stellen – es sind die, die er weckt, aber nicht erfüllt.

'Ménage à trois' von Natalie Pfister und Frank Haller

Zu den schönen Präsentationsmöglichkeiten, welche die Solothurner Filmtage zu bieten haben, gehört auch die kluge Kombination unterschiedlicher Filme. Insbesondere bei den Dokumentarfilmen, die grossenteils in fernsehtauglicher Länge von unter sechzig Minuten vorliegen, ist da mancher fruchtbare Kontrast möglich. Heute morgen trafen da im Landhaus Christian Kunz’ Halbstünder Von Mann zu Mann über eine Männerselbsterfahrungsgruppe im Schwitzhüttenritual und Pfister/Hallers Alters-WG-Doku auf einen überraschend vollen Landhaus-Saal.

Ob die Filmemacher besonders viele Freunde haben, oder ob die Themen tatsächlich so eine populäre Ausstrahlung haben, ist schwer zu entscheiden; das Publikum hat auf jeden Fall bei beiden Filmen sehr lebhaft reagiert, vornehmlich mit fröhlichem Lachen.

Dieses Lachen hatte allerdings gerade bei Ménage à trois hin und wieder einen Anflug von Nervosität zu übertönen, sind doch die (weitgehend geglückten) Anstrengungen zweier Frauen und eines Mannes, die alle auf die Neunzig zugehen und sich im Diakoniezentrum in Berlin eine Alterswohnung teilen, nur bedingt komisch, sondern vor allem vom Bemühen geprägt, das Beste aus dem immer mühsamer werdenden Leben herauszuholen. Das fröhliche Lachen vor allem jüngerer Frauen im Saal, wenn sich die 85jährige Pauline Pappert die faltigen Backen mit Rouge aufpeppt, erzeugt dabei ein seltsam oszillierendes Gruseln – denn was soll daran komisch sein, wenn eine alte Frau ihre Erscheinung pflegt? Zugleich aber steht da immer dieses Moment der ‘vergeblichen Liebesmüh’ im Raum und genau dies ist das Substrat des Films und seiner Wirkung. Denn wenn Rudolf Buth erzählt, dass er sich nach dem Tod seiner Frau eigentlich habe erhängen wollen, es dann aber bleiben liess, weil sie es ihm verboten hatte, dann klingt das komisch in der Erzählung, ist er aber selbstverständlich nicht im geringsten. Dass es nicht nur den Filmemachern, sondern auch den drei Protagonisten gelingt, immer wieder ironische Distanz, vor allem aber die spielerische Inszenierung der eigenen Probleme hinzukriegen, macht die grosse Stärke dieses 56minütigen Filmes aus. Und das gleiche leistet Christian Kunz bei Von Mann zu Mann, ebenfalls mit der Unterstützung seiner Protagonisten, die zwar ihr zuweilen komisch anmutendes Ersatz-Urvölker-Ritual mit grossem Ernst durchziehen, die eigene Nervosität dabei aber immer wieder mit Sinn für Selbstironie und Komik in den Griff kriegen. Zwei überaus menschliche Filme an einem einzigen Montagmorgen.

'Terra' von Kevin Merz ©amka films

Erstaunlich viele Künstlerportraits sind zu finden im diesjährigen Programm der Filmtage. Aber das hat auch damit zu tun, dass in der Schweiz traditionellerweise viele Dokumentarfilme gedreht werden, und dass der Autoren-Film grundsätzlich eine selbstreferentielle Komponente hat. In anderen Worten: Jedes Künstlerportrait ist auch bis zu einem gewissen Grad ein Selbstportrait jener, die filmen. Das zeigt sich auch an Terra von Kevin Merz, der diesen Film seinem bei einem Unfall verstorbenen Luganeser Jugendfreund widmet. Weil der posthum Protraitierte nicht nur Künstler war, sondern auch Junkie, entwickelt sich diese Dynamik, die mich zuletzt in Duisburg bei Britta Wandaogos Nichts für die Ewigkeit erschüttert hat.

Als Zuschauer packt mich bei diesen Filmen immer das grosse Reissen, das Zerren zwischen der Wut über die Schwäche der Abhängigen und dem Verständnis für ihre Situation und ihren Hintergrund.

Letztlich ist es ja der Versuch, diese Spannung zu bewältigen, das Verständnis aufzubringen oder sich zu erarbeiten, das solchen Filmen das Leben einhaucht. Kevin Merz schafft das auf erstaunliche Weise, weil nicht nur die rückblickende Perspektive, geprägt von Trauer und Wut, zum Tragen kommt, sondern Szenen der Begegnungen mit dem Süchtigen, ein gescheiterter Versuch, in Genf einen Entzug zu machen, den die Freunde gemeinsam unternommen haben. Letztlich kommt der Gehirnkrampf immer dann, wenn man versucht, jemandem die “Schuld” für das Elend zuzuweisen, wenn sich die Frage stellt, wer dafür haftet, wenn ein Mensch nicht heimisch wird in den Strukturen, die seine Umgebung zu bieten hat. Und da überschneidet sich Terra verblüffend mit Christine Reponds ebenfalls heute gezeigten Nicht das Leben – einem weiteren Künstlerportrait im weitesten Sinn.