Bitte alle schon mal die Aussprache üben. Es ist nicht so schwer, wenn man den Namen auf Silben herunterbricht: Apichatpong Weerasethakul, der ureigene Dschungelfilmer, war schon am Dokumentarfilmfestival in Nyon, bevor er in Cannes endgültig zum Weltstar wurde. Jetzt kommt er als Jurypräsident im August ans Filmfestival Locarno. Das ist doch mal was! Seltsam, dass ich das via Screen Daily erfahre und nicht von der Pressestelle Locarno.

Nachtrag 16.45 Uhr : Locarnos Medienmitteilung ging um 12.50 Uhr raus. Die haben bloss meine Radiomail nicht mehr auf der Liste…

Das Line-up von Cannes 2012 steht – und wir dürfen uns einmal mehr freuen. Wes Anderson eröffnet das Festival, David Cronenberg ist dabei, aber ansonsten sind die Amerikaner für einmal eher untervertreten: Weltkino ist angesagt.

'Ghost Rider: Spirit of Vengeance' ©columbia pictures

Die Kinolandschaft im Schweizer Südkanton ist ziemlich ausgedünnt. Entsprechend wenig Zuschauer braucht darum auch ein Film, um in die Top Ten zu gelangen. Nehmen wir als Beispiel die Zahlen vom letzten Wochenende (d.h. die von Donnerstag, 12. April bis und mit Sonntag, 15. April): Da haben total 72 verkaufte Tickets gereicht, um den jüngsten Ghost Rider in die Top Ten zu katapultieren. Das sind rund 18 pro Tag. Ein einziger gut besuchter Kindergeburtstag könnte damit auch die kreischenden Chipmunks zu Hitparadenstürmern machen.

1 Intouchables Frenetic 2’217
2 Titanic – 3D Fox 1’774
3 Battleship Universal 1’506
4 The Pirates! Disney 1’359
5 Mirror Mirror Elite 1’119
6 The Best Exotic Marigold Hotel Fox 629
7 Wrath Of The Titans (3D) WB  326
8 A Few Best Men Elite 263
9 Albert Nobbs Pathé  123
10 Ghost Rider: Spirit Of Vengeance 3D Rialto 72

 Total Top 10 Weekend Admission – Svizzera Italiana (IS) 9’388

(Quelle: procinema)

Sven heisst nicht wirklich Sven. Und falls er tatsächlich Archäologie studiert hat, dann wohl nicht in Bamberg. Aber Sven ist pädophil, das weiss er seit seiner Pubertät. Und fast eben so lange ist ihm klar, dass es für seine Neigung keine Erfüllung geben darf. Während einem der vielen Interviews in Outing erklärt er sinngemäss, er habe ja noch Glück, er sei nicht nur pädosexuell, sondern auch schwul. Und da bestehe zumindest die Chance, dass er einmal jemanden finde, der im legalen Alter sei und ihm gewogen.

Nach all den dokumentarischen Spielfilmen und inszenierten Dokumentarfilmen, welche Österreich seit Seidl und Haneke auf die Welt los lässt, sind Outing und Stillleben von Sebastian Meise und Thomas Reider die konsequente und längst fällige Komplementierung. Ein Dokumentarfilm, der die Kernproblematik aufzeigt, und der ergänzende Spielfilm, der die aufgeworfenen Fragen durchspielt. Dabei ist der Dokumentarfilm Outing eigentlich das Nebenprodukt, entstanden aus den Recherchen für den Spielfilm heraus.

Drehbuchautor Thomas Reider wurde vom Berliner Charité-Projekt Kein Täter werden auf die Idee für den Spielfilm Stillleben gebracht. Es ist das weltweit erste Projekt, das sich der Täterprophylaxe für Pädophile angenommen hat, ein Therapieprogramm, dass den Männern (es gibt auch pädophile Frauen, die werden aber kaum wahrgenommen. Vielleicht auch darum, weil sie als Täterinnen kaum je in den Fokus geraten) die Möglichkeit geben will, sich ihrer Neigungen und der Gefahren bewusst zu werden und sich entsprechend zu verhalten.

Wie Sven im Dokumentarfilm Outing erklärt, ist es für therapiewillige Pädophile sehr schwer, überhaupt willige Psychiater oder Therapeuten zu finden. Das liegt daran, dass Pädophilie keine Krankheit ist, sondern eine “Störung” und nicht therapierbar. Pädophile können genau so wenig “geheilt” werden wie Homosexuelle. Ihre einzige Hoffnung besteht darin, ihre Neigung zu unterdrücken, eben nicht zu Tätern zu werden, sich keine Übergriffe auf Kinder zuschulden lassen zu kommen.

Der radikalste Schritt ist dabei die chirurgische Kastration. Ein älterer Pädophiler, der sich dazu entschlossen hat, erzählt Sven im Film davon. Er erklärt aber eindringlich, man könne den Schritt niemandem anraten. Neigungen und Sehnsüchte blieben bestehen, nur der Trieb sei wenigstens weg.

Outing ist ein mutiger Dokumentarfilm, nicht zuletzt, weil er sich auf den Mut und die Risikobereitschaft des extrem auskunftswilligen Sven einlässt. Der junge Mann sei fast schon kindlich in seiner Offenheit, erklärten die Autoren gestern nach der zweiten Vorführung in Graz, und laut einer psychiatrischen Diagnose zwanghaft aufrichtig. Darin ortet der einzige Psychiater, der überhaupt bereit war, im Film aufzutreten (im Gespräch mit Sven) aber auch ein Risiko: Mit dem Entschluss, sich über den Film zu outen, gewinne Sven ja keine grundsätzliche Zuneigung. Und zu Täter würden Menschen am Rande des sozialen Spektrums in der Regel dann, wenn sie nichts mehr zu verlieren hätten.

Wie alle relevanten Dokumentarfilme wirft Outing für jede Frage, die er beantwortet, eine ganze Reihe von neuen auf. Einige betreffen uns ganz grundsätzlich, etwa unsere Haltung gegenüber potentiellen Tätern: Wieviel Freiheit gestehen wir den Gedanken tatsächlich zu? Und wie verändert das wissen um eine Neigung unser Verhältnis zu einem Menschen? Diesen Fragen geht der wirklich grossartige Spielfilm Stillleben nach.

Und einige der Fragen betreffen das Handwerk des Dokumentarischen an und für sich (auch diese Autoreflexion ist ein unverzichtbarer Bestandteil jedes relevanten Dokumentarfilms): Wie viel Verantwortung lädt sich ein Filmemacher auf, gegenüber seinen Protagonisten, aber auch gegenüber der Öffentlichkeit? Soll ein Dokumentarfilm Teil einer Therapie sein, auch wenn sie allenfalls kontraproduktiv sein könnte? Was passiert, wenn ein Sensationsmedium den wahren Sven aufspürt und zu einem Teil einer Hetzkampagne macht? Beispiele dafür gibt es genug, man denke nur an die britischen Diskussionen um die Publikation von Sexualstraftäter-Registern.

Eine verblüffende aber einleuchtende Analogie machte übrigens gestern im Kino nach der Vorstellung Regisseur Meise. Ein Mensch im Rollstuhl müsse sich ja auch mit einer Lebenssituation arrangieren, in der nicht (mehr) alles möglich ist. Somit sollte auch ein Pädophiler damit leben können, dass er der Erfüllung seiner Neigung nicht nachleben kann und darf. Und schon sind wir wieder gefordert, denn wie lässt sich das in Einklang bringen mit Slogans wie “Wir lassen uns nicht behindern”, mit denen die Integration körperlich und geistig Behinderter in die Gesellschaft propagiert wird? Sind wir bereit dazu?

Es hat nach dem Film ein paar Stunden gedauert, bis es mir aufgefallen ist: In Kuma sind ausschliesslich Türken zu sehen. Türken in der Türkei, natürlich. Aber auch Türken in Österreich – denn da spielt sich das eigentlich Drama ab. Der Film setzt ein mit einer Hochzeit in einem anatolischen Dorf, die Braut ist eine schöne junge Frau, der Bräutigam ist aus Österreich angereist, mit seiner ganzen Familie. Die künftige Schwiegermutter kümmert sich aufmerksam und liebevoll um die junge Frau. Eigenartig ist nur die trotzige Haltung der Schwester des Bräutigams, der hin und wieder wütende Sätze auf Deutsch entfahren.

Am nächsten Morgen wird die Braut mitsamt der Familie an den Flughafen gefahren, und erst in der Wohnung in Österreich stellt sich heraus, wer da wen geheiratet hat.

Es ist der Vater des Bräutigams, der die Hochzeitsnacht vollzieht, zögernd, unwillig, auf Geheiss seiner Frau. Denn sie war es, welche die Hochzeit initiiert hat. Fatma hat Krebs und rechnet damit, bald zu sterben. Und um ihre Familie nicht alleine zurücklassen zu müssen, hat sie ihren Mann gedrängt, eine Kuma, eine Zweitfrau zu heiraten. Der Sohn hat der Mutter zuliebe in die Scheinehe eingewilligt, um die österreichischen Verhältnisse zu berücksichtigen.

Die junge Ayse weiss, worauf sie sich eingelassen hat, die ganze Familie ist eingeweiht, wenn auch nicht alle einverstanden sind. Vor allem die Töchter von Fatma finden die Idee hirnverbrannt und lassen ihre Wut entsprechend an Ayse aus – die sich aber nachgerade als Engel entpuppt, als Audrey Hepburn der Aufopferung, und die Herzen fast aller Familienmitglieder gewinnt.

Das klingt nach Melodram, nach Problemfilm auch, aber der in Wien geborene Kurde Umut Dag macht alles richtig, hält die Flughöhe dicht auf der menschlichen Ebene und unterläuft immer wieder unsere Erwartungen. So spielt die Dramaturgie zunächst geschickt mit unserer Empörung über die Täuschung und die Problematik der Zweitfrau, und deckt erst Schritt für Schritt die Gründe dafür auf. Gleichzeitig kümmert sich Fatma dermassen liebevoll und dankbar um Ayse, dass die beiden zu innigen Freundinnen werden. Und der Film bemüht sich strikt um ein absolutes Binnendrama unter Türken. Damit vermeidet Dag die meisten stereotypen Vermutungen über barbarische Traditionen und Einwandererverschwörungen: Der Alltag der Familie, die ökonomischen Zwänge werden geschickt über Gespräche vor allem unter den Söhnen eingeflochten.

Mit dieser geschickt inszenierten Reduktion auf die Familienkonstellation – der Film spielt in Österreich auch fast ausschliesslich in Wohnungen und geschlossenen Räumen – arbeitet das Drehbuch die persönlichen Konflikte der Figuren heraus, in Abhängigkeit von Sitten und Traditionen und Zwängen zwar, aber individuell verständlich und jenseits der meisten Vorurteile nachvollziehbar.

Dann allerdings setzt der Film noch mächtig einen drauf, die dramatische Anlage wird überraschend verschärft, die Figuren entwickeln individuelle Abweichungen vom normativen Familiengefüge – aber da sind wir schon so involviert, dass wir dran bleiben, auch wenn es knüppeldick von allen Seiten kommt.

Es ist die einfache Grundkonstellation, die Versuchsanordnung fremder Traditionen vor europäischem Hintergrund und damit die Situation der Secondos, der Kinder zwischen den Systemen, welche der Film aufzeigt. Dass die meisten persönlichen Dramen, die sich im Film abspielen, wohl auch in der anatolischen Heimat wirksam geworden wären, macht den Film nicht schwächer, sondern stärker. Und dass es vor allem die Frauen sind, welche aktiv und emotional agieren und reagieren.

Kuma hat an der letzten Berlinale das Panorama eröffnet. Die deutsche Presse reagierte wohlwollend und erkannte im Melodrama das Drama. Während es sich etwa der Hollywood Reporter einfach machte und den Film als Pamphlet gegen die Barbarei der Zweiweiberei verstand.

Peri Baumeister und Lars Eidinger als Geschwister Trakl in 'Tabu' ©Patrick Müller

Vor fünfunddreissig Jahren hätte ich diesen Film geliebt. Ich wäre seiner todessehnsüchtigen Inzesterotik erlegen, ich hätte mitgefiebert mit dem jungen Georg Trakl, seine Gedichte auf meinen Lippen. Und ich hätte mich in die Schönheit der von Peri Baumeister gespielten Grete Trakl verliebt. Genau so hätte ich mir als Fünfzehnjähriger meinen Trakl gewünscht, nervös, mit tintenverschmierten Fingerspitzen, so verloren verstört genialisch, wie ihn Lars Eidinger spielt in diesem Film.

Warum also sollte mich heute stören, was mich damals entzückt hätte? Vielleicht, weil auch das Kino fünfunddreissig Jahre älter geworden ist, weil sich der Film weiterentwickelt hat, weil das genialische Künstlerbild zwischen Vincente Minellis Lust for Life und Romuald Karmakars Die Nacht singt ihre Lieder viel Zeit hatte, sich zu verändern.

Ich habe mich gestern im Kino ein wenig geschämt, als ich innerlich auflachte bei der ersten Einstellung auf Lars Eidingers jungen Trakl. Die halblangen Haare! Der glühende Blick! Die lachende Hure auf dem Bett! Was kann denn der Film dafür, dass ich ein alter Sack geworden bin? Aber je weiter und absehbarer Christoph Stark (er ist mit Jahrgang 1965 bloss vier Jahre jünger als ich) seine Moritat von der verbotenen Geschwisterliebe vorantrieb, desto deutlicher wurde, dass er da nicht bloss adoleszente Phantasien von Leidenschaft und Künstlertum inszeniert. Er sucht mehr, er sucht archetypisches – und macht den Fehler, dies dann historisch zu inszenieren.

Das bleibt erträglich bei den grosszügig eingestreuten Nebenfiguren, selbst Oskar Kokoschka und seine Windsbraut Alma Mahler-Werfel spielen mit. Bei einer Künstlerfete wird Grete nackt zur lebenden Skulptur als Rodin-Figur und Trakl kann seine Eifersucht nicht mehr zügeln ob der Provokation. Selbst die Mechanismen, welche Grete ausformuliert, dass er sie wolle und nicht mehr loslasse, aber nur im Versteckten, passen zum inszenierten Zeitgeist und seinen Fragen. Aber den grossen Verrat, die Verheiratung der Schwester mit ihrem Kompositionslehrer und Trakls Versuch, mit einer respektablen Frau eine offizielle Verbindung einzugehen, das rächt die Grete mit Verführung des Bruders und inzestuöser Selbstschwängerung. Da kippt das bis anhin aufrechterhaltene Bild einer intelligenten Frau in das der archetypischen femme fatale, der diabolischen Verführerin, in das von König Artus’ Halbschwester Morgana, die mit ihrem nichts ahnenden Bruder Mordred zeugt, den späteren Zerstörer der Tafelrunde.

Peri Baumeister als Grete Trakl in 'Tabu' ©Patrick Müller

Oh, kein Zweifel, auch das hätte ich geliebt zu Beginn der 80er Jahre. Ich liebe John Boormans Excalibur bis zum heutigen Tag. und ich freue mich immer noch über all die schönen Geschwisterliebe-Motive in George Lucas’ Original-Starwars-Trilogie. Aber das liegt daran, dass die alle aus jener Zeit stammen, als ich mit meiner Pubertät kämpfte und für ein paar Jahre ganz genau wusste, woran die Welt der Spiesser im innersten krankt.

Wenn schon Poeten-Fantasy zum Schwärmen, dann doch lieber so, wie das Philipp Stölzl mit Goethe! gemacht hat: Augenzwinkernd auf der Genrekino-Schiene. Und für die reine, wilde Leidenschaft des Georg Trakl funktionieren seine Gedichte dann doch besser für sich genommen, ohne bewegte Illustration. Aber eben: Ich bin ein alter Sack.

Ist ein Pädophiler schuldig, weil er ist? Gibt es auch ausserhalb des religiösen Kontextes verbotene Phantasien? Sebastian Meises gossartiger Film spielt diese Fragen überaus simpel und realistisch durch. Der erwachsene Bernhard beobachtet zufällig seinen Vater bei einem Dirnenbesuch, sieht, wie er ihr einen Zettel mit Instruktionen zusteckt, und nimmt diesen später der Frau ab. Dass der eigene Vater Phantasien haben könnte, ist für jeden Sohn, jede Tochter ein ungeliebter Gedanke. Wenn sich aber herausstellt, dass es sich um pädophile Phantasien handelt, und dass der Vater die Prostituierte im Rollenspiel beim Namen der Schwester nennt, dann beginnt unweigerlich auch die Gedankenmühle des Sohnes zu mahlen. Nun läuft das Familiendrama ab wie wie bei Vinterbergs Festen. Mit dem grossen Unterschied, dass nicht eine eindeutige heimliche Schuld ans Tageslicht gezerrt, eine Familienlüge aufgedeckt wird, sondern sich Abgründe auftun, wo vorher stabile Verhältnisse herrschten.

Wie bei Michael von Markus Schleinzer steht auch bei diesem Erstling Übervater Haneke im Hintergrund. Und wie Schleinzer beweist auch Meise, dass er einen absolut eigenständigen, extrem eindringlichen Blick entwickelt hat.

Das Spielfilmprojekt geht zurück auf das Berliner Programm Kein Täter werden, ein präventives Hilfsprogramm, das pädophil veranlagten Menschen helfen will, ihre Neigungen im Griff zu halten. Co-Autor Thomas Reider und Sebastian Meise haben im Verlauf der Recherchen mit etlichen Betroffenen gesprochen und schliesslich parallel zum Spielfilm den Dokumentarfilm Outing gemacht, in dem ein Pädophiler sich und seine Bemühungen outet (und auf den ich hoffentlich morgen noch eingehen kann hier ausführlicher eingehe).

Fritz Hörtenhuber in 'Stillleben' ©freibeuterfilm

Das Grossartige an Stillleben ist die Unerschrockenheit, mit der er die Frage nach Schuld im familiären Kontext einbettet. Wie im klassischen Drama (und bei Bergman oder Haneke natürlich), gibt es keine isolierte Schuld, braucht es keine konkrete Tat, um das fragile Gefüge menschlicher Beziehungen zu zerstören. Wenn der Sohn zunächst ganz selbstverständlich davon ausgeht, dass der von ihm bisher verehrte Vater die Schwester als Kind missbraucht habe, wird für diese wiederum schlagartig klar, warum der Vater sie ihr Leben lang ostentativ ignoriert hat. Und für die Mutter kommt der eigene moralische Bruch, als sie ihren Mann mit dem Jagdgewehr unter dem Arm das Haus verlassen sieht, ohne ihn mit einem Wort zurückzuhalten.

Aber nicht nur beim Familienverstricken zeigt sich der Film unerbittlich genau, auch in den Erinnerungsdetails schlägt Meise Saiten an, die im Publikum nachklingen. Seien es abgegriffene Kinderfotos vom Urlaub am Meer in der Blechkiste im Schrank in der Werkstatt des Vaters, eine Audiokassette mit dem Sommerhit “Voyage voyage” von Desireless aus dem Jahr 1987 oder die Poster im ehemaligen Zimmer der Schwester, die irgendwie gefroren in der Zeit an den Wänden hängen. Und schliesslich, ein wahrer Geniestreich, die brüchig und über glasklarem Piano deutsch akzentuierte neue Version von “Voyage voyage” über dem Abspann, gesungen von der Darstellerin der Schwester, Anja Plaschg, alias Soap&Skin.

Stillleben steht in der besten Tradition des zeitgenössischen österreichischen Kinos, zwischen dokumentarischem Zugriff und dramatischer Reduktion. Ein wirklich beeindruckernder Film.

Kurzfilme sind – an Festivals – in erster Linie Talentproben. Sie leiden darunter, dass sie sich gegenseitig bedecken, sie werden gruppiert und zusammengepfercht. Dabei eignen sich die besten unter ihnen als Solotänzer, als Programmauftakt. So wäre Matthias Zuders zehnminütiger Ausgleich ideal für jede Diskussion um Gewalt, sei diese nun didaktisch ausgerichtet oder auch polemisch. Denn der Kurzfilm des Wieners, der an der Hamburger Filmwerkstatt Regie studiert, lässt sich nicht festlegen. Er hat diese ideale Offenheit, die einem den Haken ins Fleisch treibt.

Nach einem Drehbuch von Marie-Therese Thill nähert sich der Film in einfachen Einstellungen einer Deeskalation, einem arrangierten, begleiteten Treffen zwischen Opfer und Täter. Beide sind junge Männer, der eine wurde in einer U-Bahnstation massiv zusammengeschlagen, der andere war der Schläger. Und was zunächst aussieht wie eine soziale Massnahme, entpuppt sich als ziemlich vielschichtig, als die beiden ihre jeweilige Motivation zur Teilnahme vor sich selber aufdecken müssen. Der grosse Kunstgriff des Films ist der Einsatz einer zweifachen Rückblende. Einerseits gibt es ein kurzes Video des eigentlichen Gewaltaktes auf einem Telefon zu sehen, andererseits ist die begleitete Konfrontation verzahnt mit Szenen danach, in der sich die beiden Männer in der U-Bahn weiterhin anstarren. Bis aus dem Täter zum Schluss eine wahrscheinlich ehrliche Antwort herausbricht, die niemandem weiterhilft. Damit klicken sich die zehn Minuten des Films in der Erinnerung in jene Endlosschleife, in der sich die Diskussion um Gewaltbereitschaft und Gewaltprävention grundsätzlich befindet. Und das macht den kurzen Film verblüffend stark.

'Spanien' ©Dor Film Petro Domenigg

Das passiert mir selten, dass ich mich schon während der Vorstellung eines Films frage, was mir denn daran eigentlich nicht in den Kram passe. Spanien von Anja Salomonowitz ist ein sorgfältig gemachter, verschachtelter Episodenfilm – mit etlichen Pointen und etlichen grossartigen kleinen Einfällen. Aber genau daran mache ich auch mein leises Unbehagen fest. Die Geschichte involviert einen österreichischen Fremdenpolizisten, der obsessiv seine Exfrau stalkt, die Exfrau, welche Ikonen malt und Kirchen restauriert und dazu auch noch Magdalena heisst. Und einen Auswanderer, der nach Spanien wollte, aber eines Unfalls wegen in Österreich festsitzt und nun eben dem Dorfpfarrer zur Hand geht. Ach, und ein Spielsüchtiger Kranführer mit Frau und zwei Kindern ist auch dabei.

Das alles ist clever konstruiert und aufgebaut (und entpuppt sich zum Schluss als noch cleverer als gedacht). Aber mich hat der Film trotz smarter Musik und unheimlich schön ironischem Einsatz von sinnentleerten Religionssymbolen immer wieder ungeduldig gemacht.

Ich glaube, es hängt ausgerechnet an der Sorgfalt der Konstruktion. Gerade weil jede Sequenz auf eine Szenenpointe hinsteuert, wirkt das zwischendurch ermüdend. Und sorgfältig plazierte Pointen, wie die staubigen Finger, die sich der Fremdenpolizist holt, als er völlig automatisch in der in Restauration befindlichen Kirche ins Weihwasserbecken greift, stehen ausstatterischen Unsorgfältigkeiten gegenüber. Da stehen zum Beispiel unter den schönen gebundenen Büchern im Gestell in der Wohnung von Magdalena unübersehbar drei der ominösen Readers-Digest-Kondensbücher. Die sind sowohl inhaltlich wie auch ästhetisch dermassen melienweit entfernt von allem, was die Frau in ihrer Wohnung hat, dass man einen Fehler vermuten muss. Oder giftige Absicht (gehörten die dem Fremdenpolizisten? Sind sie gar der Grund für das Scheitern der Ehe?). Aber letztlich ist es die Konstruktion des Films, die ihn harmloser macht, als er hätte sein können: Vieles ist früh erkennbar, anderes auf Binnenüberraschung getrimmt, und darüber entgleiten einem die Figuren, die sehr präzise angelegt sind – aber mitunter zu scharf geschnitten werden. Spanien ist eine vielversprechende Talentprobe, noch etwas überproduziert, über-gescriptet und über-inszeniert. Vielleicht sollte Anja Salomonowitz ein bisschen schneller arbeiten nächstes Mal, ein wenig schlampiger, etwas instinktiver. Oder einfach verliebter ins eigene Material, nicht gar so clever und pointenversessen.

Wenn man dem Hollywood-Reporter glauben darf, kommt nun das einst vom verstorbenen Anthony Minghella ins Auge gefasste Remake von Fredi Murers Vitus doch noch zustande. Unter dem Titel How to Disappear Completely soll Will Gluck den Stoff neu verfilmen. Ins Projekt involviert ist offenbar auch Schauspieler und Produzent Max Minghella, der Sohn des verstorbenen English Patient-Regisseurs. So wie es aussieht, kommt Fredi Murer damit doch noch zum vedienten Zustupf zu seiner Altersvorsorge. Hier schon mal eine Gratulation – hoffentlich wird auch der Film dem Vorbild Ehre machen.