'Bottled Life' ©frenetic

Kino im Kopf mit Brigitte Häring. Vier Filme und ein Todesfall heute in der Filmrolle. Xavier Kollers Eine wen iig, dr Dällebach Kari gibt’s heute gleich doppelt, von Michael Sennhauser und von Eric Facon, vom mir ein Gespräch mit Urs Schnell, dem Regisseur des Dokfilms Bottled Life, dann Erinnerungen an den tödlich verunglückten Regisseur Theo Angelopoulos von Walter Ruggle, und meinen Beitrag zur Überraschung des Jahres, The Artist. Wie immer auch in der Rolle: Kurztipps und eine Tonspur. Und zuletzt noch ein langes Gespräch von Michael Sennhauser mit dem Österreicher Karl Markovics über dessen Film Atmen.

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Die Jury und die Direktorin: Micheline Calmy-Rey (Alt-Bundesrätin); Séverine Cornamusaz (Filmemacherin); Seraina Rohrer (Direktorin); Charles Lewinsky (Schriftsteller)

Keine Überraschung bei der Preisvergabe in Solothurn: Ich hätte meinen Winterschnauz verwettet darauf, dass die Jury und das Publikum sich so entscheiden werden. Manchmal ist es aber schon schön, recht zu behalten. Hier die offizielle Meldung:

Die 47. Solothurner Filmtage, die ersten unter der Leitung von Seraina Rohrer, gehen heute Donnerstag mit einer positiven Bilanz zu Ende. In den vergangenen acht Tagen wurden rund 55’000 Kinoeintritte verbucht (Vorjahr 53’000). Die beiden Hauptpreise gehen an Fernand Melgar für «Vol Spécial» sowie Bernard Weber und Martin Schilt für «Die Wiesenberger». Bundesrat Alain Berset begrüsste in seiner Ansprache anlässlich der Nacht der Nominationen den von den Solothurner Filmtagen eingeschlagenen Weg hin zu mehr Diskussionen über Filme und Inhalte.

Mit der feierlichen Eröffnung und Xavier Kollers «Eine wen iig, dr Dällebach Kari» wurden die Weichen gestellt für eine Woche mit zahlreichen Höhepunkten. Die beiden neuen Programmpunkte «Upcoming» und «Fokus» haben ihr Publikum gefunden. Mehrere neue Schweizer Dokumentar- und Spielfilme wie «Bottled Life – Nestlés Geschäfte mit Wasser», «Courage», «Balkan Melodie», «Puppe» oder «My Generation» sorgten für Gesprächsstoff und fanden Zuspruch. Ein grosser Publikumsandrang am Wochenende und eine konstante Auslastung in der zweiten Festivalhälfte bescherten den Solothurner Filmtagen einen erneuten Anstieg der Kinoeintritte auf rund 55’000 (2% mehr als im Vorjahr).

Prix de Soleure 2012 an «Vol Spécial»

Den Jurypreis «Prix de Soleure» darf der Lausanner Regisseur Fernand Melgar in Empfang nehmen. Er erhält den mit CHF 60’000 dotierten Preis für seinen Dokumentarfilm «Vol Spécial». Melgar beleuchtet darin einen zentralen Punkt der schweizerischen Asylpolitik. Er erzählt die Geschichten von Sans-Papiers und abgewiesenen Asylsuchenden, die im Gefängnis von Frambois auf ihre Ausschaffung warten. «Vol Spécial» überzeugte die Jury durch «seine feinfühlige und zurückhaltende Kameraführung» und «seine kritische Schilderung einer gelebten Wirklichkeit, die so und in dieser Form nur in unserem Land möglich ist.»

PRIX DU PUBLIC 2012 an «Die Wiesenberger»

Auch der Publikumspreis PRIX DU PUBLIC (CHF 20’000) der zwei Festival-Hauptsponsoren Swiss Life und Die Schweizerische Post geht an einen Dokumentarfilm. «Die Wiesenberger» von Bernard Weber und Martin Schilt erzählt die Erfolgsgeschichte der Jodler vom Wiesenberg, die nach ihrem rasanten Aufstieg im Showbusiness die Möglichkeit erhalten, die Schweiz an der Expo in Shanghai zu vertreten. Das verlockende Angebot wird zur Zerreissprobe für die singenden Bergler. «Die Wiesenberger» setzte sich gegen zehn weitere nominierte Filme des Abendprogramms durch.

Sowohl der «Prix de Soleure» als auch der PRIX DU PUBLIC gehen jeweils zur Hälfte an die Regie und die Produktion des ausgezeichneten Films.

Bérénice Bejo in 'The Artist' ©praesens film

Erst diese fünf Filme sehen, dann alle anderen.

1. The Artist von Michel Hazanavicius. Eine extrem liebevolle Hommage ans Kino der Stummfilmzeit, ausgesprochen schön gemacht, mit Witz, Herz und cinéphilem Furor.
2. Halt auf freier Strecke von Andreas Dresen. Filmkritiker heulen nicht. Aber bei Dresen immer häufiger. Nicht zuletzt vor Glück. Der Mann mit dem Hirntumor nimmt einen mit.
3. Atmen von Karl Markovics. Ein eben so kunstvoller wie zugänglicher Film über einen Jungen Mann, dem die Arbeit mit Leichen in Leben zurück hilft. Ein Kino-Kleinod.
4. Le gamin au vélo von Jean-Pierre und Luc Dardenne. Die unerbittlichen Brüder haben sich selbst neu erfunden. Mit märchenhafter Zuversicht mitten in der harten Welt. Und mit Cécile De France als unerschütterlich mütterlicher Realitäts-Fee.
5. Cave of Forgotten Dreams von Werner Herzog. Aufs Alter hin hat Herzog den Zorn Gottes ein wenig abgelegt, aber Staunen kann er immer noch. In 3D, über die ältesten Kunstwerke der Welt und mit einem wunderbar absurden Ausflug zu ein paar Albino-Alligatoren.

Im Filmpodcast morgen mehr. Zu den 47. Jahren Solothurner Filmtagen, Eine wen iig – dr Dällebach Kari, zu The Artist und zu Bottled Life. Und ein Gespräch mit Karl Markovics zu seinem grossartigen Atmen.

Sophie Hottinger, Jeanne Devos und Anna-Katharina Müller in 'Alles eis Ding' ©frenetic

Was für eine Freude, dieser Film! Er ist einfach und liebenswert, schmerzlich und komisch, linear und formlos zugleich. Anita Blumer erzählt von sechs Schwestern, die mit ihrer schon leicht wunderlichen Grossmutter am Zürcher Stadtrand in einem alten Haus mit Garten wohnen. Der Film hat damit fast die gleiche Ausgangslage wie Milagros Mumenthalers in Locarno ausgezeichneter Abrir puertas y ventanas. Auch hier geht es um Verantwortung der älteren Schwestern für die jüngeren, um den Weg aus dem Geschwisternest in die Welt hinaus, um den Tod der Eltern und der letzten Bezugsperson, um Liebschaft, Erotik, Zukunft, Vergangenheit.

Während aber Mumenthalers Film ein kompaktes, streng durchkomponiertes Kammerdrama ist, hat Alles eis Ding eine fröhliche Leichtigkeit, die manchmal ins Absurde rutscht und immer eine extreme Herzlichkeit ausstrahlt.

Ein Film mit Frauen, von Frauen, und alle sind sie unglaublich schön, auch zum Anschauen, aber vor allem wirklich. Dass die beiden Männer, die vorkommen, nichts zu sagen haben und kaum reden, ist mehr ein liebenswerter running Gag als programmatisch. Dass der Film irgendwo anfängt und irgendwo aufhört, eingefasst von der Erzählstimme einer der Schwestern, passt zur ganzen Offenheit des Konzeptes. Es sind die einzelnen Szenen, die das ganze Leben einfangen, immer wieder und immer wieder anders. Die Magie des leicht anderen Blickes, welche über all dem schwebt, ist jene von Pipi Langstrumpf, der Mädchenfigur, die unglaublich stark ist und darum die Welt um sich herum anders aussehen lässt. Bei Alles eis Ding funktioniert das in beide Richtungen. Die Schwestern verändern unseren Blick auf Momente und Situationen, indem sie unglaublich stark, oder auch unglaublich schwach darauf reagieren. Es wird zweifellos Mäkler geben, die feststellen, dass das nicht eigentlich ein Film sei, im klassischen Sinne, mit Aufbau und drei Akten und Dramaturgie. Stimmt alles. Ist aber nicht nötig: Ist alles ein Ding.

Alles ist ganz leicht in Richtung Wahrhaftigkeit verschoben, weg von der gewohnten Realität und Wahrnehmung. Und noch etwas macht diesen Film (der mit 64 Minuten auch ungewohnt kurz, aber genau richtig ist, wie Lionel Baiers Toulouse) zu einem Glücksfall: Es ist der letzte mit Stephanie Glaser. Er ist dabei eine grosse Hilfe, wenn es darum geht, den biederen TV-Krimi Mord hinterm Vorhang zu vergessen, in dem sie zwar in alter Frische spielte, aber leider von der Miss-Marple-Klamotte fast zugedeckt wurde. In Alles eis Ding spielt sie eine leicht demente Grossmutter mit einer unglaublichen Präsenz, komödiantisch, mimisch, mit faustdickem Witz in aller Stille.

Stephanie Glaser in 'Alles eis Ding' ©frenetic

Alexandra Angiolini, Julia Perazzini in 'Toulouse'

Lionel Baier hat es wieder fertiggebracht: Der Mann macht Filme, die nicht nur nahtlos in der grossen Westschweizer Tradition stehen, sondern auch noch eine Art Synthese darstellen. Toulouse nimmt Themen und Befindlichkeiten der 70er Jahre auf und ist zugleich absolut von heute. Eine entschlossene junge Frau ist mit ihrer Tochter unterwegs im Waadtland. Sie kauft auf einem Hof einen alten Ford Taunus, mit dem die beiden (bei denen man bald das Gefühl hat, sie seien auf einer unbestimmten Flucht) allerdings bald immer wieder erkannt werden. Zuerst vom Polizisten, der sie anhält, weil sie ohne Nummernschilder unterwegs sind, dann vom Mann, der ihnen weiterhilft, als das Benzin ausgeht. Alle kennen Solange, den goldbraunen Ford Taunus. Und da hilft es auch nicht, dass die raketenbegeisterte kleine Marion das Auto in “Ariane” umbenennt.

Toulouse hat mich restlos begeistert. Kein anderer Spielfilm hier in Solothurn ist dermassen reich aufgeladen auf jeder Ebene und zugleich so simpel. Da sind die Kornfelder und Landschaftsbilder, das Terrorismus-Substrat und die Frauenfiguren, die an Alain Tanner erinnern, etwa an seinen wunderbaren Messidor, die Wolkenbilder und der Musikeinsatz, die Tankstelle, die assoziativen Schnitte, die von Godard kommen, und da sind die absolut hinreissenden Einfälle von Baier, der für einen verblüffenden Bildwitz manchmal nur ein paar Frames braucht. Zum Beispiel bei der Einstellung auf einen Jet am Himmel, der den üblichen Kondensstreifen hinter sich zurücklässt und nur solange sichtbar bleibt, bis er hinter einem Laternenpfahl verschwindet – aber auf der anderen Seite nicht wieder hervorkommt. Wenig später kehrt Baier das Bild sogar noch um, diesmal erscheint der Jet aus dem Nichts auf der anderen Seite des Pfahls, ohne den Kondensstreifen in der anderen Bildhälfte. Schon der Versuch einer Beschreibung dauert drei mal länger als die Bildfolge auf der Leinwand. Und dies in einem Spielfilm, der insgesamt bloss 63 Minuten lang ist. Im Kern erzählt der Film einfach, wie sich Cécile mit ihrer Tochter von deren abwesendem Vater trennt, von dem man in Rückblenden und Einschüben erfährt, dass er einer Gruppe radikaler Oekoterroristen angehört. Erstaunlich daran ist, dass die Geschichte so tatsächlich eins zu eins in den Siebzigerjahren hätte erzählt werden können, aber nie so wirkt, als ob sie in jene vergangene ZEit gehören würde. Damit spielt Baier sogar, zum Beispiel, indem er einen Original-Werbefilm für den Ford Taunus einschneidet, der mit seiner Pseudo-Morricone-Musik, seiner Road-Movie-Ästhetik und der geballten Ladung Auto-Faszination ganz eindeutig und unverwechselbar aus einer längst vergangenen Zeit stammt. Solche Brüche, die in Wirklichkeit das Gegenteil sind, nämlich Brücken, machen das formale Herz dieses Films aus. Aber auch sonst ist der Film einfach randvoll mit Kinoglücksmomenten, vom Musikeinsatz über die Schauspielerinnen bis hin zu unglaublich anarchisch-komischen Szenen. Wo immer Toulouse zu sehen sein wird: Nicht verpassen.

Theo Angelopoulos war Griechenlands grösster Filmerzähler. Diese Woche kam er auf tragische Weise bei einem Verkehrsunfall um Leben. Aus Anlass seines Todes bringen wir ein Portrait des wichtigen europäischen Filmemachers noch einmal. Entstanden ist es 2004 anlässlich des Erscheinens seines Films Eleni – Die Erde weint. In dieser Sendung von Filmredaktor Pierre Lacht äussert sich Theo Angelopoulos zu den Ursprüngen, Themen und Methoden seiner Filmautorenschaft. Seit 40 Jahren hat der griechische Kinoerzähler mit seinen oft sehr eigenwilligen Werken die Siebente Kunst seines Landes praktisch im Alleingang vertreten. Er zeigt sich in seinen Filmen verwurzelt mit der oft auch brutalen Geschichte seines Landes und seiner Familie.

Sendetermin: Freitag, 27.1.2012, 15.00 – 15.30 h

Heute zudem in DRS2aktuell mit dem Schweizer Angelopoulos Kenner Walter Ruggle von trigon-film

Katja Nicodemus und Andreas Kilb ©sennhauser

An den Solothurner Filmtagen haben die organisierte Debatten die einstigen wilden Diskussionen über die Filme abgelöst – eine Folge der Medialisierung und der Entwicklung hin zum Publikumsfestival. Was aber als Hilfskonstruktion vor ein paar Jahren begonnen hat, funktioniert mittlerweile ganz gut. Das Format “Film-Club”, bei dem ausländische Kollegen über ein paar ausgesuchte Schweizer Filme diskutieren, macht mittlerweile richtig Spass.

Gestern waren es: Andreas Kilb (FAZ), Katja Nicodemus (Die Zeit, und jeweils auch in unseren Reflexe-Runden aus Berlin und Cannes zu hören) und Bert Rebhandl (Freier Journalist), welche unter der Leitung von Catherine Ann Berger (SF) die folgende Filme diskutierten:

Der Verdingbub Markus Imboden
Giochi d’estate Rolando Colla
Off Beat Jan Gassmann
Messies, ein schönes Chaos Ulrich Grossenbacher

Dabei zeigte sich, dass die professionelle Filmkritik auch mit dem Aussenblick ganz ähnlich funktioniert, wie wir mit unserem Innenblick, bzw. dass der zugleich subjektive und externalisierte Zugang, den die meisten von uns pflegen, zumindest im Bezug auf die vorgetellten Filme sehr ähnlich war. Insbesondere Der Verdingbub fiel gestern in die die gleiche Gletscherspalte zwischen Publikumszuspruch und kritischem Echo.

Das ganze Gespräch ist hier als MP3 verfügbar oder direkt zu hören: [Audio clip: view full post to listen]

Seraina Rohrer und Matthias Bürcher Im Filmtageradiostudio ©Ruedi Wild

Am Donnerstag ist Preisverleihung. Bis dahin sind noch knapp drei Tage übrig von den diesjährigen Solothurner Filmtagen – den ersten unter der Leitung von Seraina Rohrer. Was war anders? Was hat sich bewährt? Und wo steht der Schweizer Film überhaupt? Michael Sennhauser unterhält sich im Landhaus in Solothurn live mit Matthias Bürcher und mit der neuen Filmtageleiterin über ihre Feuertaufe.

Die Sendung ist bereits online, hier zum Download und hier zum Hören: [Audio clip: view full post to listen]

Mit ihrem wunderbaren, witzigen Katzenball von 2005 hat die Bernerin Veronika Minder die Erwartungen an ihren neuen Film hochgeschraubt. My Generation hat eine täuschend einfache Prämisse: es geht um in der Schweiz lebende Menschen mit Jahrgang 1948, Männer und Frauen mithin, die zu Veronika Minders eigener Generation gehören und die im längst legendären 1968 im richtigen Alter waren, um am gesellschaftlichen Veränderungsprozess aktiv teilzunehmen – oder eben nicht. Dazu hat Veronika Minder eine ganze Reihe von Leuten interviewt und mit der Kamera besucht, welche die Grundvoraussetzung erfüllten, sonst aber möglichst diverse Hintergründe und Biografien aufweisen.

Der fertige Film konzentriert sich auf sechs von ihnen: Patrizia Habegger, Uschi Janowsky, Fredy Studer, Mary-Christine Thommen, Willi Wottreng, Jean-Pierre Ruder. Dass dabei die Männer, vor allem der Journalist Wottreng und der Jazz-Schlagzeuger Studer mehr oder weniger öffentliche Figuren sind, die Frauen dafür eher ‘klischee-typisch’ (das Hippiemädchen, die Sachbearbeiterin, die Tänzerin), entspricht sicher nicht einer Absicht, ist allenfalls das Resultat des Versuches, etwas mehr zu schaffen, als nur eine Reihe von individuellen Alterungsporträts. Was der Film möchte, umschreibt der kurze Text auf der Webseite der Produzentin Cobrafilm so:

Sie waren jung, wild – und sexy. Heute stehen sie kurz vor
der Pensionierung und machen sich Gedanken über die
Zukunft. Vor vierzig Jahren waren sie zwanzig und „trauten keinem über dreissig.“ Sie haben viele Werte in Frage gestellt und auch sich selbst neu hinterfragt. Für einige war eine dezidiert linke politische Haltung enorm wichtig, für andere die sexuelle Befreiung, die Karriere oder weite Reisen. Manche probierten andere Lebensformen aus und experimentierten mit psychoaktiven Substanzen wie LSD, Cannabis oder Opium. Heute reflektieren sie über die gesellschaftlichen Entwicklungen der letzten Jahrzehnte und reden übers Älterwerden und ihre Pläne.

Das alles wird durchaus sicht und hörbar in dem Film, man erfährt einiges über fast alle der Protagonisten. Mit Ausnahme des Raumfahrt-Wissenschaftlers Ruder. Dessen Funktion scheint mehr die eines Theoretikers für globale oder vielleicht eher universale Zusammenhänge zu sein, bis zurück zum Urknall. Aber so, wie seine Ausführungen über die Forschungshintergründe und -Resultate von Mondfahrt bis Teilchenbeschleuniger nie wirklich zu einem tragenden Gerüst für den reestlichen Film werden, so disparat bleiben auch die Biografien der anderen. Nur der einstige Maoist und Aktivist Willi Wottreng, der seine späte journalistische Karriere nach dem Ende der alten Weltwoche als Nachrufschreiber bei der NZZ am Sonntag beschliesst, funktioniert als “Rückgrat” des Films so, wie es das Konzept möglicherweise vorgesehen hat. Er formuliert mit Schärfe, Witz und Selbstironie, wie sein Leben und das seiner Generation verlaufen ist.

'My Genaration' Willi Wottreng ©filmcoopi

Daran hängen sich die anderen Biografien eher wie einzelne, manchmal durchaus schöne und eigene Gewächse an. In den Erzählungen aller von Ihnen blitzt immer wieder etwas Universelles auf, und manche der vor allem gegen Ende des Films in Themenblöcken organisierten Themen wie Spiritualität, Altern, Selbstzweifel und Selbst-Versicherung schaffen es sogar so etwas wie eine Durchgängigkeit der Unterschiede zu formulieren. Das sind die Momente, in denen aufblitzt, was der Film hätte sein können. Aber so, wie er jetzt, rund 18 Stunden nach seiner Uraufführung in meiner Erinnerung bleibt, treiben da nur einzelne Sätze und Momente durch meinen Kopf. Vor der Premiere im Landhaus sagte die Produzentin Valerie Fischer auf der Bühne, sie habe ursprünglich zu Veronika Minder gesagt: “Wir sollten wieder einmal einen Film über die Babyboomer machen”. Diesen Wunsch haben sie sich erfüllt, und das ist ja nicht wenig. Aber My Generation ist nicht der Film über die Babyboomer geworden, nicht einmal der Film über die Babyboomer in der Deutschschweiz. Und dabei habe ich nicht das Gefühl, falsche Ansprüche an den Film zu stellen – es sind die, die er weckt, aber nicht erfüllt.

'Ménage à trois' von Natalie Pfister und Frank Haller

Zu den schönen Präsentationsmöglichkeiten, welche die Solothurner Filmtage zu bieten haben, gehört auch die kluge Kombination unterschiedlicher Filme. Insbesondere bei den Dokumentarfilmen, die grossenteils in fernsehtauglicher Länge von unter sechzig Minuten vorliegen, ist da mancher fruchtbare Kontrast möglich. Heute morgen trafen da im Landhaus Christian Kunz’ Halbstünder Von Mann zu Mann über eine Männerselbsterfahrungsgruppe im Schwitzhüttenritual und Pfister/Hallers Alters-WG-Doku auf einen überraschend vollen Landhaus-Saal.

Ob die Filmemacher besonders viele Freunde haben, oder ob die Themen tatsächlich so eine populäre Ausstrahlung haben, ist schwer zu entscheiden; das Publikum hat auf jeden Fall bei beiden Filmen sehr lebhaft reagiert, vornehmlich mit fröhlichem Lachen.

Dieses Lachen hatte allerdings gerade bei Ménage à trois hin und wieder einen Anflug von Nervosität zu übertönen, sind doch die (weitgehend geglückten) Anstrengungen zweier Frauen und eines Mannes, die alle auf die Neunzig zugehen und sich im Diakoniezentrum in Berlin eine Alterswohnung teilen, nur bedingt komisch, sondern vor allem vom Bemühen geprägt, das Beste aus dem immer mühsamer werdenden Leben herauszuholen. Das fröhliche Lachen vor allem jüngerer Frauen im Saal, wenn sich die 85jährige Pauline Pappert die faltigen Backen mit Rouge aufpeppt, erzeugt dabei ein seltsam oszillierendes Gruseln – denn was soll daran komisch sein, wenn eine alte Frau ihre Erscheinung pflegt? Zugleich aber steht da immer dieses Moment der ‘vergeblichen Liebesmüh’ im Raum und genau dies ist das Substrat des Films und seiner Wirkung. Denn wenn Rudolf Buth erzählt, dass er sich nach dem Tod seiner Frau eigentlich habe erhängen wollen, es dann aber bleiben liess, weil sie es ihm verboten hatte, dann klingt das komisch in der Erzählung, ist er aber selbstverständlich nicht im geringsten. Dass es nicht nur den Filmemachern, sondern auch den drei Protagonisten gelingt, immer wieder ironische Distanz, vor allem aber die spielerische Inszenierung der eigenen Probleme hinzukriegen, macht die grosse Stärke dieses 56minütigen Filmes aus. Und das gleiche leistet Christian Kunz bei Von Mann zu Mann, ebenfalls mit der Unterstützung seiner Protagonisten, die zwar ihr zuweilen komisch anmutendes Ersatz-Urvölker-Ritual mit grossem Ernst durchziehen, die eigene Nervosität dabei aber immer wieder mit Sinn für Selbstironie und Komik in den Griff kriegen. Zwei überaus menschliche Filme an einem einzigen Montagmorgen.